“Presiono al espectador a interferir en la vida privada de este mundo artificial”.

En sus propios escenarios hollywoodienses, Marius Messinese crea un ambiente a la vez sintético y realista, a medio camino entre la seducción y la intriga. Las escenas idílicas de jardines, piscinas e interiores de revistas están habitadas por objetos que introducen una narrativa ambigua. El contraste omnipresente apoya esta tensión: las áreas texturizadas se oponen a las superficies planas, los colores claros a las partes sombreadas, la rectitud de la arquitectura al burbujeo de las plantas. Los planos se superponen en una disposición a veces incongruente, realzando las nociones de espacio y soledad.

Marius Messinese trabaja para hacer palpable el vacío y el silencio. Los objetos, colocados aquí y allá, se convierten en simples “pistas” de la presencia humana, enfatizando así su evidente ausencia.

Obviamente pensamos en David Hockney en su período californiano de los años 60, pero el pintor evoca muchas otras influencias del Pop Art, como Ed Ruscha, Allan D’Arcangelo, Richard Prince, Jonas Wood y Nathalie du Pasquier. Sus atmósferas intrigantes recuerdan las escenas de Edward Hopper y Giorgio de Chirico, así como las películas de David Lynch. Por último, cabe destacar la gran influencia de los arquitectos modernistas californianos de las décadas de 1930 y 1940, como John Lautner, Craig Ellwood, Albert Frey y Richard Neutra.

En el cruce de estas influencias, Marius Messinese desarrolla una figuración sobria que, a pesar del tema californiano y de la paleta picante, tiende hacia una cierta simplicidad. La historia difusa que acabamos de sugerir, y la dramaturgia subyacente que sigue, colocan al espectador en una posición de espera y le hacen decir que la escena es demasiado banal, demasiado tranquila para ser completamente normal.

El barniz se desprende para dar paso a un drama íntimo. “Detrás de todas estas apariencias, sin duda hay sufrimiento, soledad”.

 

Stéphane Braud, nacido en Libourne en 1955, está considerado hoy en día como uno de los mayores pintores submarinos del mundo. También se le conoce como el “pescador azul”.

Crea sus cuadros a partir de la naturaleza, directamente bajo el mar.

Autodidacta, Stéphane Braud comenzó a pintar a los 19 años y viajó a Noruega, Alemania y Túnez, donde encontró su inspiración. Su técnica favorita es la acuarela en el acto.

Desde 1974, viaja por África. Le ha costado más de 20 años de investigación recrear finalmente en sus lienzos la atmósfera del Magreb, el efecto del tiempo sobre las puertas descoloridas por el sol. Único, sus puertas son de un realismo sensible y una profundidad inigualable.

En 1980, dejó su trabajo para dedicarse exclusivamente a la pintura y voló a la Isla de la Reunión, donde instaló su estudio. Apasionado por el buceo, empezó a pintar bajo el agua de forma natural.

Hoy, instalado en Marakech, expone sus obras en todo el mundo.

Originario de Reunión y Guadalupe, Jean-Marc Hunt nació en 1975 en Estrasburgo (Francia). Creció en los suburbios, donde se hizo un hueco en el mundo del grafiti y la música rap. Instalado en Guadalupe desde hace quince años, registró una obra de estilo figurativo neoexpresionista.

Pintor y artista plástico, procede por series, acumulación y desvío. Su obra se basa a menudo en la economía de medios, evocando un estado de emergencia con un registro irónico. Invitado regularmente a exposiciones colectivas y residencias, le gusta aventurarse en proyectos de instalación y escultura monumental. Desde 2005, también se ha distinguido en la escenografía y el comisariado, en particular con los proyectos unificadores de artes visuales que inicia.

En enero de 2015, fue promovido al rango de caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura y Comunicación de la República Francesa.

“Hunt trató de reconstruir el caos global inicial desde su propia y colorida perspectiva. Para él, pintar es exponer y construir. Su posición ignora la ideología, el halago estético y la autosatisfacción. Su propósito es más contar que mostrar. Para ello, elige medios que pueden ser directos, divertidos, conmovedores y necesariamente auténticos”- Christian Bracy, crítico de arte.

Para nombrar sus exposiciones más recientes:

– 2019: “estructura personal” – Bienal de Venecia

– 2018: “motas de polvo en el mar” – Hunter East Harlem Gallery NY

– 2017: “estado de los colores” – AF San Francisco

– 2016: “recuerdos liberados” – Francia Haití Senegal Camerún.

Mateo es un artista francés afincado en Montreal. Es conocido por su arte callejero barroco inspirado en ornamentos de todo el mundo, así como por sus notables pinturas sobre alfombras orientales, que crean una mezcla de arte urbano y culturas antiguas. El arte de Mateo cuestiona la percepción y el impacto de la sabiduría antigua en nuestras sociedades occidentales contemporáneas. Su enfoque humanista propone reconectar con las inspiraciones fundamentales y espirituales, un puente hacia nuestros orígenes más profundos y un romanticismo borrado en nuestra sociedad contemporánea.

Sus alfombras tradicionales pintadas con llamativos rasgos femeninos, adornadas con motivos antiguos y metáforas espirituales, nos obligan a cuestionar nuestra identidad cultural y nuestra conciencia universal en un sistema implacable que busca la uniformidad en la cultura de masas contemporánea.

Tras una década viajando y dejando su huella pintando en las paredes, ahora se expone en galerías de todo el mundo junto a artistas como Obey, FinDac, MrBrainwash, JonOne y grandes maestros como Basquiat, Keith Haring, Warhol, Miró, Picasso, Dalí…

Después de 10 años de pintar en las calles del mundo, Mateo ha estudiado y utilizado el arte de la ornamentación en la mayoría de sus obras. Pintar sobre una alfombra constituye un puente coherente entre su práctica al aire libre y en interiores. Tradicionalmente tejidas por mujeres, estas alfombras se colocan horizontalmente en el suelo para ser pisadas. En este caso, la posición de la alfombra se invertirá y se mostrará en vertical para representar el rostro de una mujer fuerte con la piel ornamentada. El diseño y el simbolismo de una alfombra oriental suelen dejar perplejo al aficionado occidental. En todo Oriente, los tejidos se adornan con motivos cuyo origen se remonta al pasado más antiguo. La cuestión del simbolismo ha dado lugar a una gran controversia. Sin embargo, algunas piezas están obviamente cargadas de un mensaje filosófico cuidadosamente formulado, así como de símbolos totémicos, tribales o espirituales. Al añadir un lado humano a los tejidos tradicionales, estas obras tocan nuestro ser más profundo, nuestra conciencia universal, cuestionan nuestra identidad cultural, actualmente canibalizada por la estandarización y la cultura de masas. Podríamos llamarlo la pérdida de la tradición en las sociedades occidentales, estamos perdiendo el vínculo con el conocimiento ancestral, la sabiduría de nuestros mayores y la transmisión de sus conocimientos.

Onemizer nació en 1987 en el sur de Francia.

Pasó parte de su infancia en África, donde tuvo sus primeros encuentros con el arte y descubrió la acuarela. De vuelta a Francia, cuando era adolescente, conoció los grafitis parisinos durante sus paseos por París con sus padres. Los laterales de las autopistas y los metros de París son para él verdaderos museos. Este verdadero amor a primera vista le empuja a inspeccionar más tarde los descampados, así como los ferrocarriles y los almacenes en desuso, para pintar en las paredes y mejorar al abrigo de las miradas.

Después del instituto, decide estudiar arte ingresando en una escuela de diseño, pero prefiere seguir su camino como autodidacta. Poco a poco, pasa de la pared al lienzo, y es empujado por su entorno, que empieza a mostrar su obra y a exponer sus cuadros según sus reuniones en hoteles de lujo, restaurantes, bares… 



Onemizer participó con un centenar de artistas internacionales en el récord mundial del mayor grafiti sobre lienzo que tuvo lugar en Dubái en noviembre de 2014 y que fue validado para aparecer en el libro Guiness.

Onemizer se inspira en clásicos del arte pop como Basquiat, Warhol… y también simplemente en su vida cotidiana, en lo que le rodea y en la escena del arte callejero. Le gusta trabajar con letras, revisar retratos de personalidades u objetos que han marcado la historia o su historia personal. Con el tiempo, ha desarrollado una amplia gama de estilos diferentes, siempre combinando el grafiti, el tagging, los “coulures” y, sobre todo, una multitud de colores. Utiliza una amplia gama de técnicas diferentes: pintura en aerosol, plantillas, dibujos, posca, pinceles, tinta y, a veces, incluso sus manos. Renueva constantemente su arte, le gusta cambiar las técnicas, cambiar el soporte… Es el impacto visual y el choque de los colores lo que hace que cada uno de sus cuadros sea más original que los demás.

Organiza sus primeras exposiciones en los alrededores de Burdeos, así como en la región de París. Ha recorrido un largo camino desde sus comienzos en las calles, y ahora expone en muchas galerías de arte internacionales.

Soyz Bank es un artista pop autodidacta nacido en 1988 en el sur de Francia. Ha desarrollado su técnica de resina plegada a lo largo de los años, su inspiración es ilimitada; le resulta interesante sacar a la luz objetos cotidianos.

Soyz Bank es un artista fascinado por los relieves, las dimensiones y las texturas.

Está expuesto en muchas galerías de todo el mundo. Sus dos exposiciones individuales se han agotado en Nueva York y Ginebra en 2016 .

Craig Alan nació en 1971 en San Bernardino, California. Aunque siempre se sintió atraído por el arte, su creatividad se desarrolló realmente cuando su familia se trasladó a Nueva Orleans de niño. Su intensa necesidad de conocimiento y cultura alimentó su capacidad de interpretación visual detallada. Inspirado por el entusiasmo de la ciudad por la expresión creativa, comenzó a explorar sus propios impulsos innovadores.

Su primer intento fue un retrato callejero, que le ayudó a perfeccionar su don para reproducir la figura humana y le permitió a este artista en ciernes asegurarse económicamente. A partir de entonces, ahorrando sus ganancias, pudo pagar sus estudios y los materiales necesarios para sus logros artísticos. Aunque siempre quiso seguir una forma de arte formal, Alan continuó desarrollándose técnica y conceptualmente a través de su propia investigación.

Durante su segundo año de universidad en Alabama, Alan comenzó a formarse en arte. Su entusiasmo por los estudios le impulsó rápidamente a la fama. Con un énfasis en el arte de estudio, Alan ganó un premio de la industria por “Excelencia Académica”. La exposición más prestigiosa de su universidad, “Art with a Southern Drawl”, contó con 42 de sus obras de entre más de 1.600 presentadas.

Una concentración menor en el mundo del teatro también ha diversificado su trabajo, permitiéndole complementar su experiencia con técnicas adicionales de maquillaje y escenografía. Esta mezcla de influencias y de medios muy diferentes queda patente en cada una de sus obras, mostrando su amplio conocimiento y aprecio por la forma humana y el colorido mundo que ocupan estos seres. Combinando sus habilidades en texturas, matices y composiciones elaboradas, el trabajo de Alan revela una verdadera sofisticación técnica, así como una elaborada imaginación. Su obra oscila entre el expresionismo abstracto y el realismo gráfico obsesivo, y cada una refleja la visión única de su creador. Su carrera es la culminación de los conocimientos artísticos de los libros de texto, combinados con un agudo sentido estético que no desarrolló a través de una escolarización intensiva, sino en los recovecos de su brillante mente.

Craig Alan expone su obra por todo Estados Unidos, donde se ha consolidado en el mundo de las artes visuales.

Sinao nació en Nueva York en 1981.

Aunque se le considera un artista callejero emergente, lleva trabajando en murales desde principios de los 80.

Le gusta que su arte se muestre en materiales de la calle y lienzos apenas usados. Se ha visto influenciado por la obra de Blek y Banksy. La mayoría de las veces se puede ver a su conejo (de Alicia en el País de las Maravillas) embelleciendo las calles de todas las capitales de Estados Unidos y la UE.

Como todos los verdaderos artistas callejeros, Sinao ha tratado de permanecer en el anonimato en la medida de lo posible, por lo que sólo se muestra con una máscara negra de médico de la peste.

Para los murales de mayor tamaño, pedirá ayuda a los artistas reunidos en el colectivo franco-americano “Mindthegap”.

Su obra ya ha sido expuesta en muchas galerías y acaba de empezar las subastas en 2019.

Tiene una alegría de vivir comunicativa, una mirada dinámica, una personalidad iconoclasta y una energía innegable. La joven artista Chloé B., alias Chloé Bolloré, está llena de ideas creativas. Continúa la labor de sus mayores, reinventando los grandes movimientos artísticos del siglo XX y aportando un toque personal tan original como irresistible.

Así, sus collages de mosaicos de minifotos en el espíritu de los post-puntillistas y los maestros del arte óptico, o sus collages de logotipos de marcas icónicas y personajes de dibujos animados

” y personajes de dibujos animados, retomando todos los códigos de la infancia y la cultura pop.

En perpetua búsqueda, Chloé B. soñaba con que sus collages desbordantes de energía colorista, tan lúdicos y gráficos, tomaran vida y relieve en la tradición de los maestros del pop-art. Ha reelaborado cada tema, “boca”, “corazón” o “caramelo” para que cada uno de los 80 elementos de cada pieza exista individualmente en corte láser. Para que los colores tengan toda su fuerza y sus matices, la impresión se ha realizado mediante el proceso de “sublimación”, lo que garantiza que duren casi siempre.

El resultado es espectacular, cada obra se convierte en una escultura mural en bajorrelieve en metal cortado, con un efecto de relieve 3D en 7 capas, donde se sublima así cada marca, carácter u onomatopeya.

Cada escultura es una pieza original estrictamente limitada a 8 + 4 copias, cada una numerada y firmada a mano por el artista.

Chloé B., nacida en 1979, vive y trabaja en París.

Nacido en Narbona en 1987, Aiiroh es un artista francés.

Empieza muy joven a grafitear en las estaciones de varias ciudades, lugar donde los artistas tienen fácil acceso a inmensos muros. Poco a poco, a principios de los años 2000, aprende a trabajar como artista de la plantilla, lo que le permite avanzar más rápidamente en la calle, y descubre gracias a un amigo el trabajo de cartelistas como Raymond Hains, Villeglé, Dufrêne y Rotella.

Esto último se convertiría en una verdadera obsesión para el artista. “Me inspiro mucho en este movimiento, que para mí tiene una gran dimensión poética. A veces me paso noches enteras dando vueltas para encontrar y arrancar el cartel que me gusta.

Creo que aporto un toque de optimismo y color y no me gusta politizar demasiado mi trabajo, pero hoy más que nunca mi práctica artística como cartelista encuentra un eco en la exposición de 1961 de Hains que me tocó mucho: “La France déchirée”. En algunas de sus obras, integra marcas para recordar la dependencia que el ser humano tiene de los productos de consumo. La anarquía del goteo, la turbulencia de las composiciones surgen en contraste con las líneas puras de los gráficos de los logotipos de la marca, pero también del famoso AMOR del artista estadounidense Indiana.

¿La fuerza gráfica de estos logotipos tiene también un efecto en nuestro inconsciente colectivo y en nuestros códigos estéticos? Desde hace varios años, Aiiroh expone en varias galerías de Europa, así como en la escena internacional (Suiza, Italia, Reino Unido, Grecia, Isrëal, Estados Unidos, Singapur, Hong Kong, Japón).

 

“Gracias a Banksy y, antes que él, a Blek le Rat, los jóvenes artistas callejeros como yo pueden tener una visibilidad que antes no habrían tenido. Las obras que antes estaban destinadas a unos pocos transeúntes en un oscuro y oscuro callejón, ahora pueden ser vistas por las masas.

Las redes sociales, especialmente Instagram, también tienen un papel importante en el auge y la explosión del arte callejero. Me defino como un artista callejero, pero también como un artista pop, en el sentido original de “popular”, que da vida a la cultura de la calle. Me gusta ironizar y jugar con las referencias e iconos que tocan a mi generación y hacerlos comunicar. Por todo ello, intento mantener un espíritu de amor y optimismo”.

Formado en diseño y arte, el joven artista perfeccionó sus habilidades pictóricas con sus maestros. Rápidamente se emancipó de las técnicas enseñadas por sus maestros explorando sus propias percepciones de los objetos y los volúmenes, creando así su firma.

El artista estructura formas, colores y materiales. Congela el movimiento en abundantes líneas. Un orden desestructurado. En un hábil juego de luces y sombras, maneja con fruición la impertinencia de su concepción dialéctica del vicio y el candor.

En sus “instalaciones”, producciones monocromas y figurativas, el artista juega con las limitaciones físicas para dar vida a los espacios. Una sutil dosis estética, sensual y percusiva.

Llevando las paradojas aún más lejos, en la serie “Rompiendo el cristal”, el artista confronta la imaginación de la infancia con el descaro de la edad adulta. Nos ofrece una realidad onírica, animada por impulsos más o menos reprobables.

El artista transmite, a través de sus producciones, la sensación de una profunda libertad, casi anónima, en la que cada uno puede encontrarse, o perderse… Nos revela un universo cercano, siempre en el límite de lo real y lo desconocido. Un concentrado de vida que nos insufla en sobredosis.

Valérie MARTY. Un espíritu vivo y creativo, un marcado gusto por la belleza de las formas, el dibujo y el espacio. Tras una escuela de arquitectura, su carrera toma forma en el Tarn et Garonne. 1999 es el año de la fractura… La pasión por las artes, la creatividad, la expresión artística le permite aceptar y expresar lo vivido, lo sentido… En el año 2000, entra en un taller de escultura, donde adquiere la confianza y la experiencia necesarias para realizarse. Su técnica es refinada, su estilo está definido.

La Piaf

Se trata de la obra emblemática de la artista, influenciada por la relación fusional que mantuvo con su abuelo. Según sus inspiraciones, nacen nuevas colecciones, divertidos pájaros con cuerpos ovoides. Tonos alegres, colores francos o acidulados. El bestiario tratado con mucho humor y al igual que “sus polluelos”, la artista prescinde de los detalles para ir sólo a lo esencial.

Las Nanas

Sus esculturas o dibujos son el reflejo, los estigmas de heridas irreversibles: mujeres con pies exageradamente pesados que sostienen un cuerpo frágil; modelados alargados aureolados por dos coletas tortuosas, expresan una alegría de corazón, que sólo las dificultades dejan a su paso.

Valérie MARTY, artista ecléctica, ha encontrado su camino, el que lleva a la plenitud y por nada del mundo volvería atrás.

Representación única en galerías de las mayores ciudades de Francia y del extranjero

48 exposiciones individuales en Francia y en el extranjero

Sus obras están presentes en colecciones privadas de 11 países.

Artista de renombre, Karl Lagasse se dio a conocer en 2009 gracias a sus esculturas de un dólar. Ese mismo año, Artprice lo clasificó entre los diez mejores escultores del mundo menores de 30 años. En 2012, la publicación neoyorquina Farameh le nombró uno de los cincuenta mejores artistas contemporáneos que se inspiran en los iconos tradicionales estadounidenses en su libro FOR WHICH IT STANDS:Americana in Contemporary Art. Más recientemente, en la Feria de Arte de París de 2016, el Presidente de la República Francesa felicitó personalmente a Karl por el éxito de su bronce de 2 metros, One Dollar, expuesto en el Grand Palais.

Karl comenzó su andadura artística con collages a los 7 años. Ese año, su encuentro con el escultor francés César Baldaccini le empujó a seguir en esta dirección. Más tarde, se aventuró en el metro parisino, y el etiquetado y el grafiti se convirtieron en su modo de expresión preferido. A pesar de ello, los collages siguieron siendo su verdadera pasión. Fue el artista Yvaral Vasarely quien le sugirió que integrara sus etiquetas en sus collages. En 2003, Karl preparó su primera exposición en París. Su primera exposición individual de sus obras se celebró en 2006 en la Galería Isy Brachot de Bruselas. Dos años después, Karl volvió a París, al Espace Pierre Cardin, para su primera exposición individual de pinturas y esculturas con elementos de vídeo y fotografía.

Sobre todo, a Karl le gusta desvelar sus nuevas obras en exposiciones internacionales: en 2011, en el salón Art Monaco, fue representado por la galería Bel Air Fine Art, con su creación Cryptogram One; en 2012, presentó One Dollar sobre el tema “In God We Trust” en una exposición individual en la galería Artco France; en 2016, su exposición individual en la galería Atrium, en Marbella (España), fue inaugurada por el alcalde de la ciudad, que habló de sus obras a la prensa internacional.

En 2010, Karl fue elegido para representar a la ciudad de Deauville (Normandía) en el Campeonato Mundial de Hípica de Lexington (EE.UU.), para lo que creó una escultura de un caballo en honor al evento. De vuelta a Deauville, en 2012, Karl ofreció a la ciudad el Criptograma Uno, una escultura de bronce con un mensaje de paz y amor, que fue instalada en la entrada de la ciudad e inaugurada por el alcalde, Philippe Augier. Ese mismo año, en colaboración con Corbis, creó una escultura monumental para la sexagésima quinta edición del Festival de Cine de Cannes, utilizando fotografías que datan de 1945 a 2011 para crear esta obra, que se expuso en el Hotel Carlton, donde los artistas asistentes al festival pudieron firmarla. Alexandra Lamy, Gad Elmaleh, Bérénice Bejo, Marie Gilain, Michael Youn, José García, Michel Hazanavicius, Nadine Labaki, Cuba Gooding Jr. Tim Roth, Matthew McConaughey y Zac Efron, entre otros, lo hicieron.

En un artículo publicado en 2016 en el que se citaba, entre otros prestigiosos artistas, a Jeff Koons, France Culture mencionaba a Karl Lagasse y su instalación monumental, titulada Un pedazo de cielo en la tierra. Esta instalación consiste en un Maserati cubierto de una película de plástico blanco y una estatua de Jesucristo, a cuyos pies varias esculturas de dólares representan el pago de la mayor deuda de la humanidad. Se había presentado en la feria de arte Art Paris 2015, en colaboración con el fabricante italiano de coches de lujo. Maserati se dirigió por primera vez a Karl en 2014 para colaborar en el lanzamiento mundial del Ghibli. Karl utilizó este modelo para crear su obra maestra, el Salmo 2. Para celebrar el centenario de la marca, se presentó al público en la Feria de Arte de París de 2014.

Hiro Ando nació en 1973 en la isla de Shikoku (Japón). En 1995, Hiro Ando comenzó su carrera como ilustrador tras graduarse en la Universidad de Arte Tama de Tokio. En 2005, él y Saori Nakamishi fundaron un estudio artístico en Tokio para gestionar la creación y promoción de otros jóvenes artistas neopop que expresan su propia cultura popular en sus creaciones. En la actualidad, el estudio “Crazynoodles” cuenta con una decena de artistas.

Hiro Ando es un artista versátil. Trabaja con óleo sobre lienzo, medios digitales o vídeo. Su técnica consiste en elaborar varios bocetos antes de realizar la pintura sobre lienzo. La pintura tiene forma y surge en las calles de Tokio, de noche, y combina muchos colores y gráficos. Hiro pinta paisajes urbanos oscuros y peces de colores por todo el lienzo.

La unión de los dos temas hace que todo el cuadro sea dinámico y violento, con una extraña sensación de eternidad dada por los peces de colores que recuerda a las antiguas pinturas y acuarelas japonesas. La escultura es un medio reciente de Ando, que comenzó a trabajar en una serie de esculturas de color naranja, verde… inspiradas en la cultura popular japonesa. Así, el gato, que es un amuleto de buena suerte en Japón, al igual que el Maneki-Neko, adopta diferentes formas, como la del samurái o la del luchador de sumo.

El artista traduce este tema en un estilo moderno. Los materiales brillantes y lisos, los colores vivos, las formas rugosas pero redondeadas de las esculturas de Hiro Ando nos trasladan al mundo del manga en el que creció la generación del artista. El arte de Hiro Ando es el encuentro de la era Meiji y el Manga, es el Shogun en el mundo de Pokemon, es el Japón tradicional visto a través de los ojos de los jóvenes: pertenece sin duda al neo pop art japonés.

 

JOY nació en Martigues (Francia) en 1981.

Desde su infancia, JOY’ se siente atraída por el arte y la creación. Estudió diseño de moda y vio cómo su trabajo ganaba muchos premios y se exponía en varios lugares. Tras unos años como diseñadora de moda y estilista, viendo que sus productos se vendían en las grandes marcas, decidió dedicarse al arte, su verdadera pasión.

JOY se reapropia de la lata, producto y símbolo universal de nuestra sociedad, para esculpirla en bronce, vestirla de colores vivos y multiplicar las referencias al Pop Art y a la cultura del rock.

Es uno de los objetos más reconocibles del mundo. La lata está presente en todos los continentes, en todos los hogares, en todas las manos, en todas las generaciones, clases sociales y religiones combinadas. El propósito es siempre el mismo: beberlo y vaciarlo. Pero cuando está vacío, arrugado y doblado, sigue existiendo.

JOY propone mirar este objeto omnipresente en nuestra vida cotidiana desde un punto de vista artístico. Entre el Pop Art y el Nuevo Realismo, el Popy Can es un nexo de unión entre todos porque todos pueden reconocerse en él.

La lata se convierte en POPY CAN, una obra de arte terriblemente seductora y feliz.

El fotógrafo madrileño Miguel Vallinas Prieto comenzó su serie “Segundas Pieles” con la intención de “investigar el animal que todos llevamos dentro”. Esta caprichosa serie fotográfica muestra a varios animales vestidos con trajes contemporáneos, posando como lo harían los típicos modelos humanos. La ropa parece corresponder a sus personalidades, actuando como una verdadera segunda piel.

Miguel Vallinas Prieto también intenta representar la forma en que imagina que se vestirían los distintos animales si tuvieran la posibilidad de hacerlo. Vallinas juega con nuestras ideas preconcebidas sobre lo que significan nuestras elecciones de ropa y lo que podemos creer, incluso inconscientemente, sobre ciertos animales, ciertas personas y nosotros mismos.

No es de extrañar que Miguel no le haya puesto un cuello de camisa a un cisne ni haya convencido a un hipopótamo para que se ponga un Barbour. Los especímenes taxidermizados son fotografiados en varios museos y colecciones privadas, mientras que cada traje es modelado por voluntarios en el estudio de Miguel. A continuación, el artista une las dos imágenes.

Mun-Gi Yang nació en 1970 en Gwangju, Corea del Sur. Se graduó en la Universidad de Bellas Artes de Chosun.

En 2012, el artista-escultor presentó Story of LUXURY STONE en el Museo de Arte Okgwa de Corea del Sur. Esta exposición puso de manifiesto su interés por el significado y el simbolismo del bolso de lujo, explotando el potencial estético de la piedra. En esta exposición, 45 obras proponen cuestionar la naturaleza del objeto y del ser humano y la estructura de los mecanismos sociales en la elaboración de los deseos contemporáneos. Estas Luxury Stones, aunque en un principio parezcan parodias de bolsos chinos falsificados de grandes marcas como Louis Vuitton o Chanel, van mucho más allá de una simple imitación o representación de estos objetos. Por las propias características de estos objetos de piedra, la función útil de la bolsa desaparece. Al perder su carácter funcional, el objeto se transforma en un símbolo, un icono. Sólo se mantiene el deseo de poseer, ligado a la identidad visual única de cada marca. Aquí se sublima la piedra, por un lado pulida y grabada como si se tratara de una joya, y por otro lado conservando su carácter bruto e intemporal propio de la tradición estatuaria. El desvío se refiere, pues, tanto al objeto de lujo moderno como al material. El peso de estas piedras de lujo sugiere tanto el carácter masivo y fetichista del consumo de marcas de lujo en Asia, como los sacrificios humanos que conlleva el proceso de producción y adquisición de bienes de lujo. Estas obras cuestionan la persistencia silenciosa, a través de la moderna economía de mercado, de toda una tradición de limitaciones e imperativos ligados al éxito social.

Cédric Bouteiller nació en 1970 en Rognac, Francia. Vive y trabaja en el sur de Francia.

Bouteiller estudió artes plásticas y filosofía en la Universidad de Aix-en-Provence antes de viajar a Nueva York, Londres, París, Tokio y Shanghai.

Ha estado cerca del movimiento Street Art desde 2009, cuando Bouteiller expuso en la Galería DX de Burdeos. Del arte callejero, el artista toma los símbolos, los grafitis, las plantillas y los carteles. Sus obras se enriquecen con imágenes impresas en aluminio cepillado, realzadas con collages, dibujos o etiquetas cubiertas con una resina translúcida. Su expresión artística es una mezcla de diferentes técnicas, una fusión entre la fotografía moderna, la pintura contemporánea, el grafiti, el retoque digital y el collage.

Anthony Tàpies y Pierre Alechinsky forman parte de las inspiraciones de Cedric Bouteiller. Fue en Arles donde el artista también se fascinó con Picasso y descubrió la influencia literaria de Cocteau.

Los viajes de Cédric Bouteiller le permiten reunir diversas imágenes y recuerdos embellecidos en sus obras. El artista nos muestra un aspecto visionario, resultado de una inteligente mezcla de vistas urbanas de las ciudades que visitó.

Cedric Bouteiller también es alquimista. Una alquimia mística para trascender su condición, una alquimia mística para elevar su conciencia. Bouteiller especula sobre la oxidación de la materia, el endurecimiento de un plastificante, la evaporación de una pintura.

Madrid based photographer Miguel Vallinas Prieto began his “Segundas Pieles” (“Second Skins”) series with the intention of ‘investigating the animal in us all’. This whimsical photo series sees various animals dressed in contemporary outfits, posing as typical human models would. The clothes appear to match their personalities, acting as a true second skin.

Miguel Vallinas Prieto also attempts to depict the way he imagined different animals would dress if they had the ability to, Vallinas plays off our preconceived ideas of what our clothing choices signify and what we may, even subconsciously, believe about certain animals, certain people and ourselves.

Unsurprisingly, Miguel didn’t actually wrestle a roll-neck onto a swan or sweet-talk a hippopotamus into donning a Barbour. The taxidermied specimens are photographed in various museums and private collections, while each outfit is modelled by volunteers in Miguel’s studio. The two images are then spiced together by the artist.

Emi Gutiérrez. Contemporary visual artist. Born in Argentina in 1985, she lives and works in French Guyana. Graduated from the School of Fine Arts (Argentina) and Master in Artists Practices and Social Action (Bordeaux- France). She exhibits in France and internationally, notably in French Guiana, Guadeloupe, Suriname, Argentina and Spain.

Having at heart to act in the social action, Emi works with young people in difficulty, and with disabled people in a humanitarian and democratization of art.

She is the co-founder of the association “École d’art de Guyane” and is part of the collective of graffiti artists “MUZE LARU” in French Guyana. 

She is a versatile artist working on painting, sculpture and murals. Her universe is very contemporary. She finds inspiration in artistic currents such as abstract geometry, pop art, Toy Art but also in the digital universe. Contrary to what one might think, everything is hand painted and not digital.

His work is marked by geometry, colors and a strong digital influence. In a context where virtual communication is gaining momentum, it is essential for her to put forward these aesthetics and create an offbeat, timeless scenario, marked by digital references.

These paintings are configured as interfaces in these intimate spaces, she asks the question of the meeting with the other and the discovery of oneself in the obligation to cut certain social links.  She speaks with curiosity but also with concern about the virtuality of human relations and the domination of the stereotyped image.  Through these sculptures, she approaches the subject in a more playful way, close to Toy art.

The artistic work of Emi Gutiérrez is impregnated with her international background and her passion for expression through form and material. For the artist, it is essential to enrich and progress in her personal work, to be able to develop new techniques. Her motivation and perseverance have allowed her to build herself as a full-fledged artist, allowing her to understand each change/process as a moment of learning and surpassing herself.

Stéphane braud is one of the few underwater artists in the world, it is also nicknamed the “fisherman of blue.”

since 1974, stéphane braud travels africa. it took him over 20 years of research to finally give back in his paintings, the atmosphere of the maghreb, the effect of time on the doors discolored by the sun. unique, its doors are of sensitive realism and unparalleled depth.

Cédric Bouteiller was born in 1970, in Rognac, France. He lives and works in the South of France.

Bouteiller studied plastic arts and philosophy at the University of Aix-en-Provence, before starting to travel around in New York, London, Paris, Tokyo and Shanghai.

In 2009, when he exhibited in the Galerie DX in Bordeaux, he gets closer to the Street Art. From this form of Art, Cédric Bouteiller takes symbols, graffiti, stencils and posters. His artworks are composed by printed images, collages, drawings and tags on brush aluminium covered with a translucent resin. His artistic expression is a combination of different techniques, a mixture of modern photographic perspective, contemporary painting, graffiti, digital art and collage.

The inspiration of Cédric Bouteiller comes from Anthony Tàpies and Pierre Alechinsky. When he moved to Arles, he also focuses on Picasso art and Cocteau literature.

Cédric Bouteiller gathers different images and memories about his travels, which embellished his artworks. The artist shows a visionary urban view of the cities that he visited.

Bouteiller is an alchemist, too. A mystic alchemy transcending his human condition, a mystic alchemy raising his conscience; the artist speculates on the oxidization of the substance, the stiffening of the plasticizer, the evaporation of the painting.

Craig Alan was born in 1971 in San Bernardino, California. Though always drawn to art, Alan’s creativity did not fully develop until his family transferred to New Orleans as a child. The vivacious culture nur- tured Alan’s capacity for detailed visual interpretation. Inspired by the city’s enthusiasm for creative ex- pression, he began exploring his own innovative impulses.
Alan’s earliest experimentation took the form of street portraiture, an endeavour that helped him perfect his flair for replicating the human figure and afforded the budding artist a sense of economic security. He saved his portrait earnings to pay for school and art supplies. Though he always planned to pursue a formal art education, Alan continued to develop technically and conceptually through his own diligent studies.
During his sophomore year at the University of Mobile, Alabama, Alan undertook vigorous training in art. His enthusiasm for his studies immediately propelled him into the scholastic limelight. With a focus on studio arts, Alan earned an area award for academic excellence. The University’s most prestigious exhi- bition, “Art with a Southern Drawl,” featured 42 of Alan’s pieces, chosen from a field of more than 1,600 submissions.
A minor concentration in theater further diversified Alan’s craft, imbuing him with additional techniques in makeup and set design. This blending of disparate influences and media is visually apparent in all of Alan’s works, which demonstrate a broad knowledge and appreciation of the human form as well as the colorful world these beings occupy. Combining his skills into elaborate textures, hues and compositions, Alan’s artwork reveals a technical sophistication as well as an elaborate imagination.
Alan’s collections run the gamut from abstract expressionism to haunting, graphic realism, each one a reflection of its creator’s unique vision. His prolific career is a culmination of artistic knowledge and a keen aesthetic sense, one developed not through intensive schooling but deep within recesses of this artist’s brilliant mind.
Craig Alan’s art is exhibited across North America and in Europe where he has established himself as a singular voice in the visual arts industry.

Craig Alan is an artist with a restless eye, pushing the boundaries of visual expression without constraints. Alan’s body of work references numerous styles from pop-surrealism to magic realism to neo expressionist abstraction and representation. His most recent work, which he refers to as the Populus series, steps out- side the tropes of those well-worn formal enterprises with strikingly original images created from hundreds of tiny figures on a white ground.
At first glance the paintings look like aerial photographs, though a closer inspection reveals that they are painstakingly hand-painted. The images had their genesis in some photos Alan was taking of a wedding party from a high-rise balcony. “Later on that evening I noticed, in one shot, the group of people appeared to have formed an eye. That’s all it took to get the gears moving fast, that one photo is what started it all,” according to Alan.
“Each piece will contain a range of 400 to 1,800 people in it depending on the type of work it is,” says Alan. The creative process is labor intensive: “I can spend anywhere up to 150 working hours and beyond on one section of a painting depending on the size however, I like to work on more than one painting at a time, I like the challenge, and it sparks new ideas.”
These images have a real “wow” factor to them that comes from the realization that the larger picture is composed of so many intricately rendered figures. “It’s rewarding for me as an artist to watch people’s re- action to my work and to see them get such enjoyment out of it,” says Alan. He hopes that viewers of these paintings will realize “that we are all part of something greater than ourselves, and if we work together, we could achieve greater balance . . . not in a religious sense but rather a universal sense.”
Alan’s other work is entirely different from the Populus series. In the series referred to as Novel Anthology, Alan uses a combination of traditional representational techniques to create literal visual metaphors, por- traying children and animals and anthropomorphic images as well lingering in the deep woods and dark interiors. In other images the figure has been removed, leaving ghostly dresses floating on atmospheric grounds Alan prides himself on his eclectic creative process, which is reminiscent of an “old-school” post- modern approach to painting.
According to Alan he isn’t really working from this type of conceptual base; rather he’s simply utilizing a myr- iad of creative approaches to keep his painting fresh. “I am a student of the arts and will be until I pass,” says Alan. “I love to study and practice technique. These paintings are an extension of the abilities be- stowed upon me.”

Originally from Réunion and Guadeloupe, Jean-Marc Hunt was born in 1975 in Strasbourg (France). He grew up in the suburbs, where he made his mark in the world of graffiti and rap music. Installed in Guadeloupe for fifteen years, he registered a work with a neo-expressionist figurative style.
Painter and plastic artist, he proceeds by series, accumulation and diversion. His work is often based on the economy of means, evoking a state of emergency with an ironic register. Regularly invited to group exhibitions and residencies, he likes to venture into installation and monumental sculpture projects. Since 2005, he has also distinguished himself in scenography and curating, in particular with the unifying projects in visual arts that he initiates.
In January 2015, he was promoted to the rank of knight of the Order of Arts and Letters by the Ministry of Culture and Communication of the French Republic.
“Hunt tried to reconstruct the initial global chaos from his own colorful perspective. For him, painting is exhibiting and building. His position ignores ideology, aesthetic flattery, and self-satisfaction. Its purpose is more to tell than to show. To do this, he chooses means that can be direct, funny, moving and necessarily authentic “- Christian Bracy, art critic.
To name his most recent exhibitions:
– 2019: “personal structure” – Venice Biennale
– 2018: “dust specks on the sea” – Hunter East Harlem Gallery NY
– 2017: “state of colors” – AF San Francisco
– 2016: “liberated memories” – France Haiti Senegal Cameroon.

The acclaimed artist Karl Lagasse came into prominence in 2009 with his “One Dollar” sculptures. In 2009, Artprice named Karl as one of the top 10 sculptors under 30 in the world. In 2012 the New York publication Farameh selected Karl for their book FOR WHICH IT STANDS: Americana in Contemporary Art in which he is represented as one of the fifty best contemporary artists who found inspiration through traditional American icons. During the 2016 Art Paris Art Fair, the President of the French Republic personally congratulated Karl for the success of his 2-meter bronze “One Dollar” sculpture displayed at the Grand Palais.

Karl began his artistic journey with his collages when he was 7 years old. In the same year, he met the French sculptor César Baldaccini who inspired Karl to continue developing his work. He ventured into the Paris metro where tagging and graffiti became his predominant world of creation. However, his collages remained his true passion. It was the artist Yvaral Vasarely that suggested Karl incorporate his collages with his tags, and in 2003 Karl prepared his first exposition in Paris. His first solo show presenting his “Building” sculptures was in 2006 at the Isy Brachot Gallery in Brussels. Two years later, at the Theatre Espace Pierre Cardin, Karl was back in Paris for his first solo show of paintings and sculptures with added elements of videography and photography.

Karl enjoys premiering his new works at expositions worldwide including: 2011 Art Monaco with Gallery Bel Air Fine Art where he presented his creation “Cryptogram One”; 2012 solo show with Gallery Artco France where he presented his “one dollar” sculptures with the chosen the theme “In God We Trust”; 2016 solo show Gallery Atrium in Marbella (Spain) where the city’s mayor inaugurated the exposition and spoke to the international press regarding the work of Karl Lagasse.

In 2010, Karl was chosen to represent the city of Deauville (Normandy) at the world riding championships Horsemania in Lexingston (USA) where he created a horse sculpture in honor of the events. Returning to Deauville in 2012, Karl offered the city his bronze “Cryptogram One” with a message of peace and love, which has been installed at the entrance of Deauville and was inaugurated by the mayor, Philippe Augier.
In 2012, Karl created a monumental sculpture for the 65th Festival of Cannes in collaboration with Corbis. Images from 1945 to 2011 were used in the work of art, which was exhibited at the Carlton Hotel where artists involved in the festival could sign their name. Signatures of the artists include: Alexandra Lamy, Gad Elmaleh, Bérénice Bejo, Marie Gilain, Michael Youn, José Garcia, Michel Hazanavicius, Nadine Labaki, Cuba Gooding Jr., Tim Roth, Matthew McConaughey, and Zac Efron.

France Culture in a 2016 article, amongst other prestigious artists, such as Jeff Koons, mentions Karl Lagasse and his monumental installation called “A Piece of Heaven on Earth”. The installation shows a Maserati covered in white plastic film with a sculpture of Jesus Christ at whose feet are several dollar sculptures together representing the greatest debt of humanity paid in full. The installation was presented at the 2015 Art Paris Art Fair in collaboration with the Italian luxury vehicle manufacturer Maserati. Maserati first contacted Karl for collaboration in 2014 at the worldwide launching of their new car model Ghibli.The Ghibli model was used by Karl in creating his masterpiece Psalm 2, which celebrated Maserati’s 100th year and was revealed at the 2014 Art Paris Art Fair.

Mateo is a french artist based in Montreal. He is best known for his baroque street art inspired by ornaments from around the world, as well as for his striking oriental carpet paintings, resulting in a mix of urban art with the heritage of ancient cultures. The art of Mateo questions the perception and impact of traditional and ancient wisdom in our western societies nowadays. His humanistic approach proposes to reconnect with fundamental inspirations, a bridge to our deep origins as well as a romanticism erased in our contemporary society.
His iconic painted traditional carpets featuring striking feminine features adorned with ancient motifs as well as spiritual metaphors, forces us to question our cultural identity and universal consciousness in a relentless system that pushes for uniformity in contemporary mass culture.
After a decade-long globe-trot, leaving his mark by painting walls along his path, he’s now exhibited in galleries around the world along with famous artists Obey, Hush, FinDac, MrBrainwash, JonOne and grandmasters like Basquiat, Keith Haring, Warhol, Miro, Picasso, Dali…
After 10 years of painting in the streets of the world, Mateo has studied and used the art of ornamentation in most of his work. Paint on a carpet creates a coherent bridge between his practice outside and inside. Traditionally woven by women, these carpets are placed horizontally on the ground to walk on it. In this case, the position of the carpet will be reversed and displayed vertically to represent the face of a strong woman with ornamented skin. The design and symbolism of an oriental carpet often leave the western amateur puzzled. Across the East, ornamental patterns whose origins date back to the oldest past. The question of symbolism has given rise to much controversy. However, certain pieces are obviously loaded with a carefully formulated philosophical message as well as totemic, tribal or spiritual symbols. By adding a human element to a traditional carpet, these works touch our deep being, our universal consciousness, they question our cultural identity which is currently cannibalized by standardization and mass culture. We can call this the loss of tradition in Western societies, we lose the link with the ancestral knowledge, the wisdom of our elders and the transmission of their knowledge.

Onemizer was born in 1987 in the South of France.

He spent part of his childhood in Africa where he discovered art for the first time and watercolours. He moved back to France when he was a teenager, and discovered graffiti in the streets of Paris. The Paris metro and the highways and graffiti along the Parisian freeways were his museums. Later he started to paint in wastelands and in abandoned warehouses and little by little he perfected his technique.

After high school, he started to study art in a design school, but decided to rather continue teaching himself. Little by little, he started to paint on canvas, and to show his work in luxury hotels, restaurants or bars.

He has worked with one hundred other international artists to produce the biggest graffiti on canvas in Dubai in November 2014, which has been validated and will appear in the Guinness Book.

He takes inspiration from the classic pop artists such as Basquiat, Warhol… from his daily life, his surroundings, and from the street art scene. He likes to work on lettering, to revisit portraits of personalities or objects that have marked history or his personal history. Over time, Onemizer developed a wide range of different styles, combining graffiti, tags, drippings and especially a multitude of colours.
He uses a wide range of techniques: spray paint, stencils, drawings, posca, brushes, ink, and sometimes even directly his hands. Onemizer constantly renews his art, likes to change techniques and supports… The visual impact and the clash of colours make each of his paintings more interesting than the last.

Onemizer had his first exhibitions in Bordeaux and in Paris. He came a long way since the debut of his career, and his work is shown today in numerous international galleries.

Expert in design and art, the young artist perfects his painting skill with his masters. Quickly, he draws away from the technics he learnt by exploring his own perception of the object and volumes and thus creates his signature.
The artist structures shapes, colors and materials. Abounding lines make movements to become timeless. An unstructured order. With a clever play of light and shade, he handles with delight the impertinence of his conception of the dialectic of vice and naivety.
In his work, monochrome and figurative productions, the artist defies the physical forces to enlighten spaces. Deft combination, beautiful, sensual and striking. Through the “Breaking the glass” collection, the artist confronts the imaginary world of childhood with the grown-ups impudence, overstepping the paradox. He offers an oneiric reality, animated by urges, more or less reprehensible.
The visual artist delivers, through his productions, the feeling of a deep liberty, almost anonymous, in which looks familiar, always between reality and unknown. A bunch of life which inspires an overdose.

Sinao was born in NYC in 1981.
Although considered an emergent street artist, he has been working on murals since the early 1980’s.
He loves his art to be shown on materials from the streets and barely used canvases. He has been influenced by the work of Blek and Banksy. Most of the time, you can see his rabbit (from Alice in Wonderland) embellishing the streets everywhere in US and EU capitals.
Like all real street artists, Sinao has been trying to stay undercover and anonymous as much as possible, so he only shows himself with a black plague doctor mask.
For larger murals, he will ask help from artists that are united under the French/American collectif “Mindthegap”.
His work as already been shown in many galleries and just started auctions in 2019.

Valerie MARTY. A lively and creative spirit, a pronounced taste for the beauty of forms, drawing, lʼespace. After a school of architecture, her career takes shape in the Tarn et Garonne. 1999 is the year of the fracture… The passion for the arts, creativity, lʼexpression artistic allows her to accept and dʼexpress the lived, the felt … In 2000, she joined a sculpture workshop, where she gained the confidence and experience necessary for self-fulfillment. Her technique is refined, her style becomes clearer.

The Piaf
Flagship work of the artist, influenced by the fusional relationship she had with her grandfather. According to her inspirations, new collections are born, funny dʼoiseaux with ovoid bodies. Cheerful tones, frank or acidulous colors. The bestiary treated with a lot of humor and just like “his chicks”, the artist disregards the details to go only to the essential.

The Nanas
Her sculptures or drawings are the reflection, the stigmata of irreversible attacks: Women with exaggeratedly heavy feet supporting a frail body; Longiline models haloed by two tortuous pigtails, express a cheerfulness of heart, that only hardships leave in their path.

Valérie MARTY, eclectic artist, has found her way, the one that leads to plenitude and for nothing in the world, she would not go back.

Uniquely represented in galleries in the largest cities of France and abroad

48 personal exhibitions in France and abroad

Her works are present in private collections in 11 countries.

Soyz Bank is an autodidact Pop artist born in 1988 in the South of France. He has developed his technique of folded resin through the years, his inspiration is limitless; he finds it interesting to bring to light everyday objects.

Soyz Bank is an artist who is fascinated with reliefs, dimensions and textures.
He is exposed in many galleries worldwide. Both of his two solo shows have sold out in New York and Geneva in 2016 .

Freelance graphic designer for almost 20 years, Jon is also a talented musician, playing with as much ease and pleasure in the Azian Z (Japanese punk karaoke), as well as for the Coterie (children’s show brought by the members of the Têtes Raides) or even Le Peuple de l’Herbe.

In love with the American underground culture, he escapes regularly to the United States to bring back influences, sounds and photographs.

Hiro Ando was born in 1973 on the Island of Shikoku in Japan. In 1995, Hiro Ando began a career as an illustrator after graduating from the university of Tama Art in Tokyo. In 2005, he founded an artists’ studio in Tokyo with another artist, Saori Nakamishi to manage the creation and promotion of other young neo-pop artists who include their own popular culture in their creations. Today around 10 artists are part of this studio “Crazynoodles”.

Hiro Ando is a polyvalent artist. He has used oil on canvas, digital supports and worked in video art. Hiro’s technique consists in elaborating several basic sketches before painting on the canvas. The last take shapes and emerges from the streets of Tokyo by night, they are clad with colors and graphics and move in groups. Hiro paints dark urban landscapes with red fish scattered in the canvas. The mix of the two topics makes the whole canvas both dynamic and violent, with an odd feeling of eternity due to the red fish which are reminiscent of ancient Japanese paintings and watercolors.

Just recently Ando added sculpture to his large spread of media and started working on a series of green or orange sculptureswhich were inspired by his Japanese popular culture. In this way, the cat, which in Japan is a lucky charm in the form of the Maneki-Neko, comes in a variety of traditionnal Japanese figures such as the Samurai or the Sumo. He translates this theme in a very modern way.

The shiny and smooth materials, the bright colors, the sharp but rounded shapes of Hiro Ando’s sculptures take us to the world of Mangas in which the artist’s generation grew up in. The art of Hiro ANDO is the meeting between the Meiji era and the Manga , it is Shogun in Pokemon land , it is traditionnal Japan viewed through young eyes : it definitely is Japanese Neo Pop Art.

It all begins with her contagious « joie de vivre », energized looks, iconoclastic personality and undeniable stamina. The young but well-established artist Chloé B. aka Chloé Bolloré is full of creative ideas. She continues the work of her elders, re-inventing the great artistic movements of the 20th century, by adding her own touch, which is both original and irresistible.

Thus, her mosaic collages of mini photos inspired by the post-pointillists and optical art masters, or her collages of iconic “mainstream” brand logos and cartoon characters, taking up all the codes of childhood and pop culture.

Perpetually looking for new ideas and concepts, Chloé B. was dreaming for her playful and graphic collages, full of colorful energy, to come to life in the tradition of pop-art masters. She then used again the “mouth”, “heart” and “candy” theme so that each one of the 80 parts of the piece exists individually as a laser cut. In order to restore all the power and the shades of the colors, the art printing process is a « sublimation », making it be an everlasting piece of art.
The rendering is spectacular, each artwork becoming a bas-relief wall sculpture in cut metal, with a 7 layers 3D effect : each brand logo, character or onomatopoeia is then sublimated.
Every sculpture is an original edition of 8 + 4 exs, each one numbered and hand-signed by the artist.

Chloé B., born in 1979, lives and works in Paris.

Joy is a French contemporary artist born in 1981 in Martigues, a city located in south-eastern France. She became known for her captivating Popy Can series of sculptures.

Joy, who studied fashion design, was interested in art from an early age. Working as a fashion designer and stylist, and selling her products toy major retailers, she decided to devote herself to her true passion, becoming an artist. For past several years, the French artist has been transforming simple tin cans into attractive sculptures.

Joy remodeled the tin can, product and universal symbol of our society, thus becoming a bronze sculpture, dressing it in bright colors and multiplying references to pop art and rock culture.
One of the most recognizable objects in the world, cans are very durable and the wide variety of sizes available make them versatile. Chances are that you encounter some form of can almost every day. It is present on every continent, in every house, in every hand regardless of age, gender, class or ethnicity, always with the same objective, drink it and empty it. But even than it continues to exist.
The French artist shows us the cans from an artistic point of view. Between Pop Art and New Realism, Popy Can is a link between all because everyone can relate to it.

Mun-Gi Yang was born in 1970 in Gwangju, South Korea. He graduated from Fine Arts at Chosun University.

In 2012, the artist-sculptor presented Story of LUXURY STONE at the Okgwa Art Museum in South Korea. This exhibition revealed the special attention he pays to the meaning and symbolism of the luxury bag by exploiting the aesthetic potentialities of stone.

In this exhibition, 45 works proposed to question the nature of the object and the human being and the structure of social mechanisms in the elaboration of contemporary desires.

These Luxury stones, although appearing at first as parodic works on Chinese counterfeit bags of big brands such as Louis Vuitton or Chanel, go well beyond a simple imitation or representation of these objects. By the very characteristics of these stone objects, the useful function of the bag disappears.

By losing any functional character, the object is now transformed into a symbol object, an icon. Only the desire for possession, linked to the unique visual identity of each brand, is preserved. It is here sublimated by the stone, on the one hand polished and engraved as if it were a jewel, on the other hand retaining its raw and timeless nature proper to the statuary tradition.

The hijacking therefore concerns both the modern luxury object and the material. The weight of these Luxury stones suggests just as much the massive and fetishistic nature of the consumption of luxury brands in Asia, as the human sacrifices implied by the process of production and acquisition of luxury goods. These works question the dull persistence, through the modern market economy, of a whole tradition of constraints and imperatives related to social success.

Christophe Tixier, also know as Peppone is a 45 years old artist living near Aix-en-Provence.

Bulimic collector, he counts among his treasures about 500 albums of Tintin’s adventures, of which some have only few dusty pages left. He feeds his collection with what he finds in car boot sales, municipal libraries sales or even with what friends and strangers bring him. Thus from a place of dreams and travels, the adventures of Tintin are also a place of encounter for Peppone.

But this treasure is mostly his Proust’s Madeleine since his first copies of Tintin came from his father when he died. The character of Tintin became a cornerstone in his balance that allowed him to cultivate his relation with his father and protect himself against a form of “artistic situation”.

His Tintin has taken forms that he creates in his workshop by pruning his paper heritage.

Peppone es un artista de 50 años que vive cerca de Aix en Provence. Sus padres fueron maestros y le enseñaron que compartir es el mayor regalo de la vida. Su estudio está situado en una pequeña zona industrial a los pies del Luberon. Es allí, a pocos pasos del río Durance, en una increíble chatarrería de mil y una piezas recicladas, donde lo conocí.

Había oído hablar de él como un coleccionista bulímico. Entre sus tesoros se encuentran cerca de 500 álbumes de las aventuras de Tintín, a algunos de los cuales sólo les quedan algunas páginas polvorientas. Alimenta su colección con lo que encuentra en los desvanes, con las ventas de las bibliotecas municipales o simplemente con lo que le traen sus amigos o desconocidos. Así, de vínculo de sueños y viajes, las aventuras de Tintín se han convertido también para Peppone en un vínculo de encuentros.

Pero este tesoro es, sobre todo, su madeleine de Proust, ya que sus primeros ejemplares de Tintín se los dio su padre, tras la muerte de éste.

El día que conocí a Peppone por primera vez, me explicó que el hombre es el único ser vivo que sabe que va a morir y que, para escapar de su condición, se reproduce, se comunica y sueña; una especie de vínculo cíclico entre pasado, presente y futuro. El personaje de Tintín se ha convertido en un pilar de su equilibrio que le permite cultivar el vínculo con su padre y proyectarse en una forma de “situación artística”.

Su Tintín ha tomado formas, que marronea en su estudio recortando en su patrimonio de papel.

Emi Gutiérrez. Artista visual contemporáneo. Nacida en Argentina en 1985, vive y trabaja en la Guayana Francesa. Graduada en la Escuela de Bellas Artes (Argentina) y Máster en Prácticas Artísticas y Acción Social (Burdeos- Francia). Expone en Francia y en el extranjero, especialmente en la Guayana Francesa, Guadalupe, Surinam, Argentina y España.

Teniendo en el corazón actuar en la acción social, Emi trabaja con jóvenes en dificultad, y con personas discapacitadas en una acción humanitaria y de democratización del arte.

Es cofundadora de la asociación “École d’art de Guyane” y forma parte del colectivo de grafiteros “MUZE LARU” en la Guayana Francesa. 

Es una artista versátil que trabaja en pintura, escultura y murales. Su universo es muy contemporáneo. Se inspira en corrientes artísticas como la geometría abstracta, el arte pop y el Toy Art, pero también en el universo digital. Al contrario de lo que se podría pensar, todo está pintado a mano y no es digital.

Su obra está marcada por la geometría, los colores y una fuerte influencia digital. En un contexto en el que la comunicación virtual es cada vez mayor, para ella es fundamental plantear esta estética y crear un escenario atemporal y poco convencional, marcado por las referencias digitales.

Estos cuadros se configuran como interfaces en estos espacios íntimos, plantea la cuestión del encuentro con el otro y el descubrimiento de uno mismo en la obligación de cortar ciertos vínculos sociales.  Habla con curiosidad pero también con preocupación sobre la virtualidad de las relaciones humanas y la dominación de la imagen estereotipada.  A través de estas esculturas, aborda el tema de una forma más lúdica, cercana al arte del juguete.

La obra artística de Emi Gutiérrez está impregnada de su trayectoria internacional y de su pasión por la expresión a través de la forma y el material. 

Para la artista, es esencial enriquecer y progresar en su trabajo personal, para poder desarrollar nuevas técnicas. Su motivación y perseverancia le han permitido construirse como una artista de pleno derecho, permitiéndole entender cada cambio/proceso como un momento de aprendizaje y superación.

“I DRIVE THE VIEWER TO INTRUDE INTO THE PRIVACY OF THIS ARTIFICIAL WORLD.”

In his very Hollywood settings, Marius Messinese creates an environment that is both synthetic and realistic, halfway between seduction and intrigue. The idyllic scenes of gardens, swimming pools and magazine interiors are inhabited by objects that introduce an ambiguous narrative. The omnipresent contrast supports this tension: textured areas are opposed to flat surfaces, clear colors to shaded parts, the rectitude of the architecture to the vegetal bubbling. The planes are superimposed in a sometimes incongruous cutting, enhancing the notions of space and solitude.

Marius Messinese works to make the emptiness and silence palpable. The objects, placed here and there, become simple “clues” of the human presence, thus underlining its obvious absence.

One obviously thinks of David Hockney in his Californian period of the 60’s, but the painter summons many other influences of Pop Art, such as Ed Ruscha, Allan D’Arcangelo, Richard Prince, Jonas Wood or Nathalie du Pasquier. His intriguing atmospheres recall the scenes of Edward Hopper and Giorgio de Chirico, as well as the movies of David Lynch. Finally, we note the major influence of the Californian modernist architects of the 30s and 40s such as John Lautner, Craig Ellwood, Albert Frey or Richard Neutra.

At the crossroads of these influences, Marius Messinese develops a restrained figuration which, despite the Californian theme and the acidulous palette, tends towards a certain simplicity. The narrative, diffuse, just suggested, and the subjacent dramaturgy that follows, places the spectator in a position of expectation and makes him say that the scene is too banal, too calm to be quite normal.

The veneer peels away to give way to intimate drama. “Behind all these appearances, there is undoubtedly suffering, solitude.”

Nacido en 1983, Philippe ECHAROUX lleva ocho años practicando el arte callejero, no sólo en Francia, sino también en ciudades y campos internacionales.

Totalmente innovador, el artista propone una nueva forma de practicar el arte callejero: nunca degrada ni daña. Practicando un Street Art 2.0, su voluntad de exponer al mayor número de personas le lleva a crear obras efímeras, colgando sus fotografías en los muros de las ciudades.

Llevando esta lógica al extremo, dirige un nuevo proyecto: “Pintar con luz”. Consiste en proyectar sus obras fotográficas en las paredes de monumentos. El artista ha expuesto sus proyecciones de luz en Barcelona, Marsella, París, Cannes durante el festival, en La Habana durante la bienal de arte contemporáneo y en Val d’Isère y Cran Montana sobre las montañas nevadas. Philippe ECHAROUX selecciona con precisión y método el momento y el lugar de la proyección para obtener el mejor efecto. Siempre yendo más allá de sus límites, ahora proyecta sobre todos los soportes: los muros de un monumento, un puente, una fachada, un árbol o incluso unas ruinas.

En 2016, el artista asumió nuevos retos con la proyección de sus fotografías sobre los árboles de la selva amazónica o en el desierto de Namibia.

Las obras sólo duran unas decenas de minutos, pero el artista las inmortaliza con su cámara. Estas fotografías se trabajan después sobre madera o se imprimen en plata, lo que permite al artista exponerlas en numerosas galerías. 

Leloluce es una artista cotizada y referenciada en el mercado internacional del arte, y se encuentra entre los 100 mejores artistas contemporáneos internacionales.

La personalidad, el espíritu y la alegría de esta artista se perciben en cada una de sus obras. Reconocida desde hace doce años como pintora y escultora, Leloluce es una mujer rebosante de imaginación y con unas ganas locas de compartir su universo, sus favoritos, sus experiencias que la han formado.

Leloluce es reconocida tanto por su identidad artística como por su carácter lúdico, ha dado forma a su propia cultura de arte urbano, un concepto, una técnica que atrae cada vez a más coleccionistas, amantes del arte, profesionales, a nivel internacional.

Esta locura por Leloluce aporta un soplo de alegría, dulzura e inocencia al mundo del arte.

Rompecabezas, mosaicos de colores vivos, magnificencia, personificación, figuras de cómic emblemáticas, un tecnicismo manejado con destreza, es en un estilo deslumbrante que Leloluce se posiciona naturalmente en una esfera muy popular.

Originario de Saboya, este antiguo contable es pintor y escultor profesional desde hace doce años. Su inusual trayectoria profesional le ha reportado también una reputación en un nuevo campo como profesora de arte. Un virtuosismo aclamado por los conocedores de las obras maestras que perduran y crean un apetito para los nuevos aficionados.

From a very young age, Speedy Graphito shows an artistic curiosity and a pronounced taste for drawing. He has a creative look at his environment, feeding his imagination.

At the age of 14, he decides that art will be his way and integrates an artistic training at the School of the “Rue Madame”. In parallel, he produced theater sets for five years.

Speedy Graphito enriches his talent at the Estienne School of Art in Paris, from which he graduates in 1983.

That same year, he formed the street art collective X-Moulinex with which he produced his first works signed SPEEDY GRAPHITO.

In 1985, the French Ministry of Culture commissioned him for the event “La Ruée vers l’art”. His work is quickly noticed and his works are presented in 1992 and 1993 at the FIAC in Paris, giving him international recognition.

Speedy Graphito is now an essential signature of urban art. He pursues a rich and always renewed work, imagining over the years “a universal language impregnated with the air of time.

Cartoons, superheroes, brands, technologies… Speedy Graphito deciphers a dense and protean popular imagery, which he diverts to shake up our systems of perception.

In 2015, he realized in Evry the largest street art fresco in Europe … more than 3000m2 on the walls of the Arena of the Agora.

2016 After Lille, Paris, La Reunion and Brussels, Speedy Graphito stops in Biarritz for a new exhibition “Like a wind of Freedom”.

Great retrospective of SPEEDY GRAPHITO at the Museum of Le Touquet-Paris-Plage, bringing together more than 70 works. The exhibition retraces the career of this major artist of contemporary art and urban art for over 30 years.

Recognized as one of the precursors of French street art since 1980, in transition with the Figuration Libre, Speedy Graphito has become an essential reference in contemporary urban art.

Desde muy pequeño, Speedy Graphito ha mostrado una curiosidad artística y un marcado gusto por el dibujo. Desde muy pronto, su mirada creativa sobre su entorno alimentaba su imaginación.

A los 14 años, decide que el arte será su camino e integra una formación artística en la escuela “Rue Madame”. Al mismo tiempo, realiza escenografías teatrales durante cinco años.

Speedy Graphito enriquece su talento en la Escuela de Arte Estienne de París, de la que se gradúa en 1983.

Ese mismo año formó el colectivo de arte callejero X-Moulinex, con el que realizó sus primeras obras firmadas SPEEDY GRAPHITO.

En 1985, el Ministerio de Cultura francés le encargó una obra para el evento “La Ruée vers l’art”. Su trabajo llamó rápidamente la atención y sus obras se presentaron en 1992 y 1993 en la FIAC de París, lo que le dio reconocimiento internacional.

Speedy Graphito es hoy una figura clave del arte urbano. Persigue una obra rica y en constante renovación, imaginando a lo largo de los años “un lenguaje universal impregnado del espíritu de la época”.

Dibujos animados, superhéroes, marcas, tecnologías… Speedy Graphito descifra un imaginario popular denso y proteico, que desvía para sacudir nuestros sistemas de percepción.

En 2015, creó en Evry el mayor fresco de arte callejero de Europa… más de 3000m2 en los muros de las Arènes de l’Agora.

2016 Después de Lille, París, La Reunión y Bruselas, Speedy Graphito hace escala en Biarritz para una nueva exposición “Comme un vent de Liberté”.

Gran retrospectiva de SPEEDY GRAPHITO en el Musée du Touquet-Paris-Plage, que reúne más de 70 obras. La exposición recorre la trayectoria de este importante artista del arte contemporáneo y urbano desde hace más de 30 años.

Reconocido como uno de los precursores del arte callejero francés desde 1980, en transición con Figuration Libre, Speedy Graphito se ha convertido en una referencia ineludible del arte urbano contemporáneo.

Koceila Chougar is an artist from Tizi-Ouzou in Algeria and is known for his mixtures of artistic universes with both brutal, digital and African inspirations.

Since his childhood, African craftsmanship linked to traditional practices have been part of his landmarks and tones.

Living in France, Koceila is inspired by different mythologies and spiritual practices to give shape to her works.

As a colorist artist, Koceila uses the content of her emotions and the richness of her palette to create her own inner balance.

His practice build over the course of his travels, rubbing shoulders with renowned street artists and schools of great masters such as those of Mr. Salvador Dalí or Mr. Andy Warhol.

Koceila is both DJ Producer, visual artist and digital artist.

He has become an artist with international influence by diverting the use of social networks, music and digital art.

As a creator of universes, Koceila quickly established himself as an atypical artist and DJ on the electronic scene.

He brings his creative moments to events such as the Cannes International Film Festival, Paris and New York Fashion Weeks, or the Art Basel fairs in Basel or Miami.

Creator of tropical, spiritual and powerful atmospheres, Koceila wants to impact and color the existing of his art.

His Mediterranean roots gave him a constant need for dances and parties.

Whether it is painting, prayer or music, these three practices are for him all connected.

His pictorial approaches connect both the presence of Street Art, the depth of Art Brut and the mystique of African Art.

Koceila Chougar es un artista de Tizi-Ouzou (Argelia) conocido por sus mezclas de universos artísticos con inspiraciones brutales, digitales y africanas.

Desde su infancia, la artesanía africana ligada a las prácticas tradicionales forma parte de sus hitos y tonos.

Residente en Francia, Koceila se inspira en diferentes mitologías y prácticas espirituales para dar forma a sus obras.

Como artista colorista, Koceila utiliza el contenido de sus emociones y la riqueza de su paleta para crear su propio equilibrio interior.

Su práctica se construye a lo largo de sus viajes, codeándose con renombrados artistas callejeros y escuelas de grandes maestros como las del Sr. Salvador Dalí o el Sr. Andy Warhol.

Koceila es a la vez DJ productor, artista visual y artista digital.

Se ha convertido en un artista con influencia internacional al desviar el uso de las redes sociales, la música y el arte digital.

Como creador de universos, Koceila se estableció rápidamente como artista y DJ atípico en la escena electrónica.

Lleva sus momentos creativos a eventos como el Festival Internacional de Cine de Cannes, las Semanas de la Moda de París y Nueva York, o las ferias Art Basel de Basilea o Miami.

Creador de atmósferas tropicales, espirituales y poderosas, Koceila quiere impactar y colorear lo existente de su arte.

De sus raíces mediterráneas le viene una necesidad constante de bailes y fiestas.

Ya sea la pintura, la oración o la música, estas tres prácticas están para él conectadas.

Sus planteamientos pictóricos conectan la presencia del Street Art, la profundidad del Art Brut y la mística del Arte Africano.

Born in 1983, Philippe ECHAROUX has been practicing street art for eight years not only in France but also in international cities and countryside.

Totally innovative, the artist proposes a new way to practice street art: he never degrades or damages. Practicing a Street Art 2.0, his desire to expose to the largest number leads him to create ephemeral works, hanging his photographs on the walls of cities.

Pushing this logic to the extreme, he leads a new project “Painting with Light”. It is about projecting on the walls of monuments, his photo works. The artist has exhibited his light projections in Barcelona, Marseille, Paris, Cannes during the festival, in Havana during the contemporary art biennial and in Val d’Isère and Cran Montana on the snow-covered mountains. Philippe ECHAROUX selects with precision and method the time and place of the projection in order to obtain the best effect. Always going beyond his limits, he now projects on all supports: the walls of a monument, a bridge, a facade, a tree or ruins.

In 2016, the artist took on new challenges with the projection of his photographs on the trees of the Amazon forest or in the desert of Namibia.

The works last only a few dozen minutes but the artist immortalizes them with his camera. These photographs are then worked on wood or printed in silver, allowing the artist to exhibit them in many galleries. 

Virginie MARIANY, alias NINU, is a self-taught artist from the Alpes Maritimes in France.

Her passion for abstract art since her early childhood has led to her artistic development based on perspectives.

It is after a serious motorcycle accident that NINU decides to devote herself entirely to what would become her new energy.

Spotted by numerous galleries in France (PARIS, CANNES, TOURS, REIMS or SAINT TROPEZ) and internationally (MIAMI, BELGIUM, MOROCCO), her booming artistic career is not ready to stop.

“On a misunderstanding” as she always says, is now her trademark in front of the audacity she shows through her vibrant and hypnotic creations.

Artista callejero nacido en 1976 en Lima, Perú.

Empezó a dibujar a los 3 años y se graduó en el colegio George Washington de Lima a los 10 años.

Por razones políticas, toda su familia se trasladó a Lausana (Suiza) en 1989.

Entonces empezó a hacer grafitis después de haber recibido una bofetada visual durante muchos viajes en tren por nuestro país. Unos cuantos encuentros en la escena local le permitieron dar sus primeros pasos como grafitero. Inmediatamente se dedicó a pintar trenes, metros y estaciones de tren de forma ilegal.

Desde hace varios años, Shem trabaja sobre lienzo. Artista experimentado, busca desarrollar sus habilidades a través de nuevas técnicas como la superposición y la transparencia. También multiplica las herramientas y utiliza el acrílico, la acuarela, el óleo y el pastel para obtener los colores y texturas deseados.

Colabora con otros artistas para llevar el grafiti allí donde no se espera, convirtiéndose en un artista completo, creativo, innovador y reconocido por los críticos de arte.

Virginie MARIANY, alias NINU, es una artista autodidacta de los Alpes Marítimos en Francia.

Su pasión por el arte abstracto desde su más tierna infancia la ha llevado a un desarrollo artístico basado en las perspectivas.

Es tras un grave accidente de moto cuando NINU decide dedicarse por completo a lo que se convertiría en su nueva energía.

Destacada por numerosas galerías en Francia (PARÍS, CANNES, TOURS, REIMS o SAINT TROPEZ) e internacionalmente (MIAMI, BÉLGICA, MARRUECOS), su pujante carrera artística no está dispuesta a detenerse.

“En un malentendido”, como ella siempre dice, es ahora su marca de fábrica frente a la audacia que demuestra a través de sus creaciones vibrantes e hipnóticas.

Cyril Maccioni embodies a new generation of artists who value the identity of his works while bringing that undeniable contemporary note.

Cyril discovered his passion for creation at a very young age. During several years, his thirst to learn and to surpass himself allowed him to acquire a certain knowledge. His career path, which can be described as atypical, clearly illustrates his philosophy. A graduate of the University of Corsica, successively a fireman and a professional model, his inspiration comes from his homeland, Corsica, and from his travels around the world. Throughout his experiences and encounters, he keeps in mind his dream: to devote himself fully to creation.

This dream he touches it with his fingertips in 2014 when he starts to develop his own workshop in the region of Bastia, in Haute-Corse.

Initially Designer Maker, he manipulates and assembles the materials that have long fascinated him: concrete, wood, steel, glass, and more recently composite materials that have given him the desire to move on to sculpture.

Each of his monumental works exists only in one copy.

Self-taught, sensitive and curious, Cyril Maccioni is a free artist who sets no limits on his creative process.

Today, the artist has invested himself fully in sculpture in order to make it a vector capable of conveying his message concerning the mistreatment inflicted on animals and, more generally, the extinction of animal species and the health of the planet.

The artist shows us in fact, by the choice of depriving them of their eyes, that these animals have sacrificed a part of themselves in order to make us react to their condition, to incite us to “see”, and thus to convince us of the evil that we inflict on them, and by the same token, points the finger at the paradox of our society based on image and overconsumption since he uses what shines and attracts the eye this time with the aim of alerting and not overconsuming.

The choice of the color black wanted by the artist for several reasons comes to accentuate the reflection of the light on the work (the color black is the color that we find under the mirror, it is also the color of mourning, it is the most delicate color to realize because it has the property to reflect and to make very visible the least defect, and here, vis-a-vis the sculpture, the defect is well and truly the Man.

 The paradox of the image, the use of the word “reflection” in both senses of the term (reflection and thought) and the question of sacrifice revealed by the color black, “transcending the material” is above all the result of an introspection of the artist, and whose purpose lies in an exhortation to visual acuity.

Cyril Maccioni encarna a una nueva generación de artistas que valoran la identidad de sus obras al tiempo que añaden esa innegable nota contemporánea.

Cyril descubrió su pasión por la creación a una edad muy temprana. Durante varios años, su afán de aprender y superarse le permitió adquirir ciertos conocimientos. Su trayectoria profesional, que puede calificarse de atípica, ilustra claramente su filosofía. Licenciado por la Universidad de Córcega, sucesivamente bombero y modelo profesional, su inspiración procede de su tierra natal, Córcega, y de sus viajes por el mundo. A lo largo de sus experiencias y encuentros, no pierde de vista su sueño: dedicarse plenamente a la creación.

Este sueño lo tocó con la punta de los dedos en 2014, cuando empezó a desarrollar su propio taller en la región de Bastia, en Haute-Corse.

Inicialmente fabricante de diseño, manipula y ensambla materiales que le fascinan desde hace mucho tiempo: hormigón, madera, acero, vidrio y, más recientemente, materiales compuestos que le han dado el deseo de pasar a la escultura.

Cada una de sus obras monumentales existe en un solo ejemplar.

Autodidacta, sensible y curioso, Cyril Maccioni es un artista libre que no pone límites a su enfoque creativo.

En la actualidad, el artista se ha volcado de lleno en la escultura para hacer de ella un vehículo capaz de transmitir su mensaje sobre el maltrato de los animales y, más en general, sobre la extinción de las especies animales y la salud del planeta.

En efecto, el artista nos muestra, mediante la elección de privarles de sus ojos, que estos animales han sacrificado una parte de sí mismos para hacernos reaccionar ante su condición, para incitarnos a “ver” y convencernos así del daño que les infligimos y, al mismo tiempo, señala con el dedo la paradoja de nuestra sociedad basada en la imagen y el consumo excesivo ya que utiliza lo que brilla y atrae la mirada esta vez con el objetivo de alertar y no consumir en exceso.

La elección del color negro, deseada por el artista por varias razones, acentúa el reflejo de la luz sobre la obra (el negro es el color que se encuentra bajo el espejo, es también el color del luto, es el color más delicado de conseguir porque tiene la propiedad de reflejar y hacer muy visible el más mínimo defecto, y aquí, delante de la escultura, el defecto es efectivamente el Hombre.

 La paradoja de la imagen, la utilización de la palabra “reflejo” en los dos sentidos del término (reflejo y pensamiento) y la cuestión del sacrificio revelado por el color negro, “trascendiendo la materia” es ante todo el resultado de una introspección del artista, cuyo resultado final reside en una exhortación a la agudeza visual.

Fue en un pequeño pueblo del sur de Francia, cerca de Avignon, donde los graffitis empezaron a aparecer en su cabeza.

Entonces Kan comenzó a dibujar, primero en sus cuadernos y luego, muy rápidamente, comenzó a escribir su nombre en cada mesa del aula. De hecho, sintió cierto placer al ver su nombre difundido por toda su universidad en ese momento. Muy naturalmente continuó bombardeando todas las murallas de su ciudad.

Actuando principalmente de noche, en total anonimato, deambulando de calle en calle, buscando el lugar ideal y más envidiado. Se creó una primera en París, seguida de una segunda en Los Ángeles. Sólo confirmarán que el graffiti representará una parte importante de su vida.

Fue en ese momento cuando descubrió el trabajo del hombre que se convertiría en Bom.k. ¡Es un shock! Kan se mudó a París en el año 2000. A partir de ahí todo salió bien. Se unió al equipo de DMV (Da Mental Vaporz, que en ese momento solo estaba formado por Bom.k e Iso), y comenzaron a producir varios muros y otras pinturas colectivas. Desde entonces, Kan ha participado en numerosos graffiti jams y ha expuesto su trabajo en galerías de Francia y del extranjero con su equipo.

Combinando su pasión por las computadoras, el video y el diseño con su técnica tradicional de Graffiti, Kan usa su nombre de mil y una maneras, desde fracasos hasta letras mayúsculas digitales, pasando por pixel art, marcos de graffiti o más códigos QR que gotean.

A primera vista, una serie de puntos hipnotizan al espectador, que de repente forma un retrato, un rostro familiar que te mira directamente a los ojos. ¿Quién observa a quién?

It was in a small town in the South of France near Avignon that graffiti began to make its way into his head.

Kan therefore began to draw, first in his notebooks, then very quickly began to write his name on each table in the classroom. He actually took a certain pleasure in seeing his name spread throughout his college at the time. Very naturally he continued with bombs on all the walls of his city.

Acting mainly at night, in total anonymity, wandering from street to street, looking for the ideal, most envied spot. A first was created in Paris, followed by a second in Los Angeles. They will only confirm that graffiti will represent an important part of his life.

It was at this time that he discovered the work of the man who would become Bom.k. It’s a shock! Kan moved to Paris in 2000. From there everything came together. He joined the DMV crew (Da Mental Vaporz which at the time was only made up of Bom.k and Iso), and they began to produce various walls and other collective paintings. Since then, Kan has participated in numerous graffiti jams and exhibited his work in galleries in France and abroad with his crew.

Combining his passion for computers, video and design with his traditional Graffiti technique, Kan uses his name in a thousand and one ways, from flops to digital block letters, including pixel art, graffiti frames, or more dripping QR codes.

At first glance, a series of dots hypnotizing the viewer, which suddenly forms a portrait, a familiar face looking you straight in the eye. Who is observing who?

Born in 1965 in Grasse, Philippe Pasqua is today among the most sought-after French artists. Self-taught, he is not constrained by the constraints of institutions, always giving free rein to his desires, his passions and his choices. He is now one of the most influential artists of his generation. His first exhibition took place in 1990 at the Espace Confluence in Paris. Since then, his works have been presented all over the world. From Hong Kong to London via Taiwan, Pasqua has occupied the walls of many galleries around the world.

Pasqua’s work can be characterized along three axes: monumentality – brutality – obsession.

Monumentality is the first impression that emerges from the artist’s works. Often large in size, his works are constructed from a tight framing in the center of which the subjects, essentially alone, sit enthroned. Added to this is the absence of environment and any contextualization. The space of the canvas is not filled with any other motif than that of the model already present. The spectator who watches them is almost overwhelmed. We do not enter into a work by Pasqua but on the contrary it is she who invades our space, our environment.

Brutality or aggressiveness are almost systematic notions in the artist’s productions. They are a direct consequence of the previously mentioned monumental aspect. Indeed, this stance, this invasion of everyone’s personal space does not happen calmly. Whether paintings or drawings enhanced with color, Philippe Pasqua gives his creations a brutal appearance.

He paints and draws in a gesture that reflects a certain nervousness or even deep anxiety. The bodies gain material and become more textured. Painting and colors thus literally embody the bodies which in turn become the material itself.

Bodies as model, subject or material are omnipresent in the artist’s works. As a whole or simply in portrait, they are indeed Pasqua’s favorite subject. A sort of obsession that he lets appear through the models that he looks for in the different layers and different aspects of society. Disabled people, pregnant women, naked women and even diverse and varied faces are all reflections of our contemporary societies that Pasqua strives to show us. These bodies are systematically naked, entirely or partially because through the body it is the incarnation of Being that Pasqua seeks to transcribe on his canvases or his papers.

“It is indeed in the body, in the flesh, that the history of men is ultimately written, and perhaps even the history of art,” explains Jean Rustin.

More broadly with his portraits, his nudes and his vanities, it is the identity specific to each person in its most singular aspect that interests Pasqua. Through the models he uses to create his works, he confronts us and also confronts us with our own identity with our own keys and reading elements.

Nacido en 1965 en Grasse, Philippe Pasqua se encuentra hoy entre los artistas franceses más buscados. Autodidacta, no se deja sujetar por las limitaciones de las instituciones, dando siempre rienda suelta a sus deseos, sus pasiones y sus elecciones. Ahora es uno de los artistas más influyentes de su generación. Su primera exposición tuvo lugar en 1990 en el Espace Confluence de París. Desde entonces, sus obras se han presentado en todo el mundo. Desde Hong Kong hasta Londres pasando por Taiwán, Pasqua ha ocupado las paredes de muchas galerías de todo el mundo.

La obra de Pasqua se puede caracterizar según tres ejes: monumentalidad – brutalidad – obsesión.

La monumentalidad es la primera impresión que surge de las obras del artista. A menudo de gran tamaño, sus obras se construyen a partir de un marco apretado en el centro del cual los sujetos, esencialmente solos, se sientan entronizados. A esto se suma la ausencia de entorno y de cualquier contextualización. El espacio del lienzo no está lleno de ningún otro motivo que el del modelo ya presente. El espectador que los observa queda casi abrumado. No entramos en una obra de Pasqua sino que al contrario es ella quien invade nuestro espacio, nuestro entorno.

Brutalidad o agresividad son nociones casi sistemáticas en las producciones del artista. Son consecuencia directa del aspecto monumental antes mencionado. De hecho, esta postura, esta invasión del espacio personal de cada uno, no se produce con calma. Ya sean pinturas o dibujos realzados con color, Philippe Pasqua da a sus creaciones una apariencia brutal.

Pinta y dibuja con un gesto que refleja cierto nerviosismo o incluso una profunda ansiedad. Los cuerpos ganan materia y se vuelven más texturizados. Así, la pintura y los colores encarnan literalmente los cuerpos, que a su vez se convierten en el material mismo.

Los cuerpos como modelo, sujeto o material están omnipresentes en las obras del artista. En conjunto o simplemente en retrato, son sin duda el tema favorito de Pasqua. Una especie de obsesión que deja aparecer a través de los modelos que busca en los distintos estratos y distintos aspectos de la sociedad. Personas con discapacidad, mujeres embarazadas, mujeres desnudas e incluso rostros diversos y variados son reflejos de nuestras sociedades contemporáneas que Pasqua se esfuerza en mostrarnos. Estos cuerpos están sistemáticamente desnudos, total o parcialmente porque a través del cuerpo es la encarnación del Ser lo que Pasqua busca transcribir en sus lienzos o en sus papeles.

“De hecho, es en el cuerpo, en la carne, donde se escribe en última instancia la historia de los hombres, y tal vez incluso la historia del arte”, explica Jean Rustin.

En términos más generales, con sus retratos, sus desnudos y sus vanidades, es la identidad específica de cada persona en su aspecto más singular lo que interesa a Pasqua. A través de los modelos que utiliza para crear sus obras, nos confronta y también nos confronta con nuestra propia identidad con nuestras propias claves y elementos de lectura.

 

Leloluce is a quoted and referenced artist in the international art market, and is among the 100 best international contemporary artists.

The personality, the spirit and the joy of this artist can be perceived in each of her works. Recognized for twelve years as a painter and sculptor, Leloluce is a woman brimming with imagination and with a crazy desire to share her universe, her favorites, her experiences that have shaped her.

Leloluce is recognized as much for her artistic identity as for her playfulness, has shaped her own culture of urban art, a concept, a technique that attracts more and more collectors, art lovers, professionals, on an international level.

This craze for Leloluce brings a breath of joy, sweetness and innocence to the art world.

Puzzles, brightly colored mosaics, magnificence, personification, emblematic comic figures, a technicality handled with dexterity, it is in a dazzling style that Leloluce naturally positions itself in a very popular sphere.

Originally from Savoy, this former accountant has been a professional painter and sculptor for twelve years. Her unusual career path has also brought her a reputation in a new field as an art teacher. A virtuosity acclaimed by connoisseurs of masterpieces that endure and create an appetite for new enthusiasts.

Street-artist born in 1976 in Lima, Peru.

He started drawing at the age of 3 and graduated from the George Washington School in Lima at the age of 10.

For political reasons, his family moved to Lausanne, Switzerland in 1989.

He then started to work in graffiti after having taken a visual slap during many train trips in our country. A few meetings on the local scene allowed him to take his first steps as a graffiti artist. He immediately dedicated himself to painting trains, subways and train stations illegally.

For several years, Shem has been working on canvas. Experienced artist, he seeks to develop his knowledge through new techniques such as superposition and transparency. He also multiplies the tools and uses acrylic, watercolor, oil and pastel to obtain the desired colors and textures.

He collaborates with other artists to bring graffiti back where it is not expected, becoming a complete artist, creative, innovative and recognized by art critics.

Patrick Rubinstein nació en 1960 en París. Su infancia le marcará de forma duradera y alimentará más tarde su lenguaje artístico. París vive en la época del rock británico, del cine y del pop americano.

Criado en el seno de una familia que le hizo percibir el arte a una edad temprana, Patrick Rubinstein adquirió la pasión por el cine de su madre, y heredó el espíritu inventivo de su padre, que también fue el primero en introducirle las técnicas del arte cinético. Esta iniciación y cultura de su juventud serían fundamentales para su futura creación artística.

El artista extrae sus temas tanto del pasado como del presente.

Esculpe y refina meticulosamente sus obras como un orfebre. El resultado es fascinante: Patrick Rubinstein presenta al espectador una obra de arte futurista y vanguardista.

A los 18 años vendió su primera obra de arte. Sin dejar nunca de innovar, no fue hasta muchos años después cuando el artista perfeccionó su técnica y expresión artística para presentar las obras de arte aclamadas internacionalmente de hoy en día.

El Doble Principio representa la fusión de dos imágenes diseñadas para fundirse en una sola. Esta imagen recién fusionada se aplica sobre un soporte en configuración de acordeón. La aplicación sobre este soporte recrea, en un ángulo de 45º, las dos imágenes originales que pueden verse desde ambos lados. Otras imágenes, reveladas mediante el entrelazamiento de las dos vistas, se hacen visibles a medida que el espectador se desplaza por la obra.

El triple principio muestra tres imágenes, una central y dos laterales. Las vistas laterales se crean mediante tiras insertadas perpendicularmente a la imagen central. Son visibles dos imágenes distintas, desde ambos lados en un ángulo de 45º. Esta técnica permite variaciones visuales cuando el espectador se desplaza alrededor de la obra, a la vez que mantiene una visión definida de la imagen central.

El resultado de estas dos técnicas es cautivador y confiere a las obras un aspecto animado y perpetuamente renovado.

El movimiento no es el único elemento que afecta a la variación visual, sino que la dirección y la intensidad de la luz también contribuyen al efecto cinético de la obra.

French contemporary artist of Italian-Israeli origin, Renaldo Moon is first and foremost a bohemian bohemian who touches everything and is nourished by his encounters

Actor, theater director, he has been traveling the world for thirty years

He has been living in Reunion Island for seven years, and is the creator and artistic director of a café-theater and producer of many internationally renowned artists such as Samy Waro, Eric Triton, Jace…

A citizen of the world, Renaldo Moon, inspired by his extended stays in St Martin, St Barth, Ibiza, Recife, Lisbon, Tel Aviv, Tokyo decides to launch himself in 2021, in the middle of the pandemic in contemporary art by creating large format credit cards

highlighting iconic personalities from the artistic, historical or scientific world.

His creations underline the imminent disappearance of the credit card object that will be replaced by crypto-currencies and the plastic medium derived from fossil fuels at the end of the cycle and are inspired by significant events in the lives of its illustrious holders. Renaldo Moon takes particular care in the realization of his art objects made of composite polymer, with a solid brass chip and a meticulous work on the material and the finishing.

His works are now exhibited in France, Monaco and Ibiza.

Patrick Rubinstein was born in 1960 in Paris. His childhood will mark him durably and will later feed his artistic language. Paris lives at the time of British rock, cinema and American pop.

Growing up in a family that made him perceptive to art at an early age, Patrick Rubinstein acquired the passion for cinema from his mother, and inherited the inventive spirit from his father, who was also the fist to introduce to him the techniques of kinetic art. This initiation and culture from his youth would be pivotal for his future artistic creation. 

The artist draws his themes from both the past and the present.
He meticulously sculpts and refines his artworks like a goldsmith. The outcome is mesmerizing: Patrick Rubinstein presents the viewer with a futurist and avant-gardist artwork.

At the age of 18 he sold his first artwork. Never ceased to innovate, it was not until many years later that the artist perfected his technique and artistic expression to present the internationally acclaimed artworks of today.

The Double Principle depicts the fusion of two images designed to blend into one. This newly merged image is applied on a medium in accordion configuration. The application on this medium recreates, at 45° angle, the two original images that can be seen from both sides. Several other images, revealed through interlacing of the two views, become visible as spectator moves around the artwork.

The Triple Principle depicts three images, one central and two laterals. The side views are created by strips inserted perpendicular to the central image. Two distinct images are visible, from both sides at 45° angle. This technique allows visual variations when the spectator moves around the work, while maintaining defined sight of the central image.

The result of these two techniques is captivating, giving the artworks an animated and perpetually renewed aspect.
The movement is not the only element that affects visual variation, but the light direction and intensity also contribute to the artwork’s kinetic effect.

Géraldine Morin was born in 1976 in Strasbourg. She started drawing very early and her talent was outstanding.

She studied visual arts in Strasbourg and at advertising at the Académie Charpentier in Paris. Géraldine Morin creates plaster sculptures (busts), bronze scultures and paintings.

In parallel, she designs jewelry and cardboard furniture as well as a colection for babies. Géraldine Morin is also passionate about photography.

Géraldine Morin nació en 1976 en Estrasburgo. Empezó a dibujar muy pronto y su talento era extraordinario.

Estudió artes plásticas en Estrasburgo y publicidad en la Académie Charpentier de París. Géraldine Morin crea esculturas de yeso (bustos), esculturas de bronce y pinturas.

Paralelamente, diseña joyas y muebles de cartón, así como una colección para bebés. Géraldine Morin también es una apasionada de la fotografía.

Erik Salin is a French artist born in 1960 in Paris. He lives and works in the South of France.

He is one of the most renouned custom painters in France according to the specialised press. Erik Salin explored numerous techniques and media throughout his career: painting, drawing, acrylic, watercolors, ink wash painting, trompe l’oeil…); he mixes and overlaps them to find new directions and ideas that he uses in his sculptures.

Strongly influenced by Pop Art, his practice reflects the codes and symbold of our consumer society. Erik Salin hijacks ordinary objects, associates them, and always pays attention to the finish and the aesthetic side of his works. Somestimes, they send a critical message about our lifestyles and mentalities.

His bold and surprising artwork reflects the free spirit of the artist.

Erik Salin es un artista francés nacido en 1960 en París. Vive y trabaja en el sur de Francia.

Es uno de los pintores por encargo más conocidos de Francia, según la prensa especializada. Erik Salin ha explorado numerosas técnicas y medios a lo largo de su carrera: pintura, dibujo, acrílico, acuarela, lavado de tinta, trampantojo…); los mezcla y superpone para encontrar nuevas direcciones e ideas que utiliza en sus esculturas.

Fuertemente influenciado por el arte pop, su práctica refleja los códigos y el simbolismo de nuestra sociedad de consumo. Erik Salin se apropia de objetos ordinarios, los asocia, y siempre presta atención al acabado y al aspecto estético de sus obras. A veces, envían un mensaje crítico sobre nuestros estilos de vida y mentalidades.

Sus obras, audaces y sorprendentes, reflejan el espíritu libre del artista.

Are you more of a Ladurée or Pierre Hermé, MACARON ?
If the most famous French patissiers have given their letters of nobility to this delicious little pastry with flavours as delicate as they are varied, the artist BENJI has made it his signature.

Through small sculptures that are truer than life, the artist, a great lover of cooking and trained in pastry-making in his youth, associates this must of French culinary refinement with the greatest brands of luxury, also French ….
Decorated with the initials Hermes, Vuitton or Chanel, his life-size resin macaroons bear the flamboyant colours of new pop and insolent icons.
New collector’s items stemming from the aesthetics of pop art, they bring together two of the codes of our consumer society inspired by luxury, in its most contemporary forms.

Accessible, playful, artistic.

¿Es usted más de Ladurée o de Pierre Hermé, MACARON?

Si los más famosos pasteleros franceses han dado sus cartas de nobleza a este delicioso pastelito de sabores tan delicados como variados, el artista BENJI ha hecho de él su firma.
A través de pequeñas esculturas más reales que la vida, el artista, gran amante de la cocina y formado en pastelería en su juventud, asocia este mosto del refinamiento culinario francés a las más grandes marcas de lujo, también francesas …

Decorados con las iniciales Hermes, Vuitton o Chanel, sus macarrones de resina de tamaño natural llevan los colores extravagantes de los nuevos iconos pop e insolentes.
Nuevas piezas de coleccionista derivadas de la estética del arte pop, reúnen dos de los códigos de nuestra sociedad de consumo inspirados en el lujo, en sus formas más contemporáneas.
Accesibles, lúdicas, artísticas.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Artista contemporáneo francés de origen italo-israelí, Renaldo Moon es ante todo un bohemio que lo toca todo y se nutre de sus encuentros

Actor, director de teatro, ha viajado por el mundo durante treinta años

Desde hace siete años vive en la Isla de la Reunión. Es creador y director artístico de un café-teatro y productor de numerosos artistas de renombre internacional, como Samy Waro, Eric Triton, Jace…

Ciudadano del mundo, Renaldo Moon, inspirado por sus prolongadas estancias en San Martín, San Bartolomé, Ibiza, Recife, Lisboa, Tel Aviv, Tokio, decidió lanzarse en 2021, en plena pandemia, al arte contemporáneo creando tarjetas de crédito de gran formato

destacando personalidades icónicas del mundo artístico, histórico o científico.

Sus creaciones subrayan la inminente desaparición del objeto tarjeta de crédito, que será sustituido por las criptomonedas y el soporte plástico derivado de los combustibles fósiles al final del ciclo, y se inspiran en acontecimientos significativos de la vida de sus ilustres titulares. Renaldo Moon pone mucho cuidado en la creación de sus objetos de arte de polímero compuesto, con un sólido chip de latón y un meticuloso trabajo en el material y el acabado.

Sus obras se exponen ahora en Francia, Mónaco e Ibiza.

Nacido en Haifa, Israel, Idan Zareski vive y trabaja entre Costa Rica, Francia y Miami. Ha tenido una trayectoria poco convencional pero sorprendente. Desde muy joven se vio inmerso en múltiples culturas y llevó una vida cosmopolita entre África, Europa, Estados Unidos y América Latina. Idan domina varios idiomas, entre ellos el francés, el inglés y el español. A los 38 años, decidió dejarlo todo para seguir su pasión, la escultura.

Poco después de lanzar su serie Bigfoot Family, Idan obtuvo rápidamente el reconocimiento internacional por sus esculturas monumentales.

Nacida de su pasión por fomentar la conciencia cultural y la tolerancia en todo el mundo, la Familia Bigfoot se ha ganado el reconocimiento mundial a lo largo de su trayectoria y un mensaje universal de unidad.

Idan tiene un talento innato para retratar las emociones, sus esculturas son conmovedoras y graciosas y consigue captar los momentos de tal manera que nos sentimos naturalmente conectados a su obra. No es raro ver a niños y adultos trepando por todas sus piezas…

The Puce Art style is recognizable at a glance. Large formats on which are mixed cult images and frank colors, pop culture and street art, docile icons and sacred monsters, modesty and revolt.

He belongs to this generation, born in the twilight of the thirty glorious years, brought up by May 68 and the first oil shock. This generation that saw the digital era rise, the Berlin Wall and the Twin Towers fall, growth get out of control, the gaps widen, the planet becomes exhausted, and the world of all promises is compromised.

It is in this world of great upheavals and great renunciations that Puce will draw his inspiration. He seizes its formatted images, its clichés, its codes. He provokes them, diverts them, breaks them, as if to better free himself from them. More than committed, the work of Puce is engaging. It questions without ever abrupting, denounces without ever condemning, disturbs without bothering. Puce’s work is an invitation. An invitation to contemplate and recapture the thirst for freedom that hovers over the Faces* series, an invitation to action and humility in the Animals* series, an invitation to decompartmentalize minds and men, an invitation to get off the beaten track to reach the path of all possibilities.

Puce’s work is simply an invitation to reinvent the world.

El estilo Puce Art es reconocible a simple vista. Grandes formatos en los que se mezclan imágenes de culto y colores francos, cultura pop y arte callejero, iconos dóciles y monstruos sagrados, pudor y revuelta.

Pertenece a esta generación, nacida en el ocaso de los treinta años gloriosos, criada por mayo del 68 y la primera crisis del petróleo. Esta es la generación que vio surgir la era digital, caer el Muro de Berlín y las Torres Gemelas, despegar el crecimiento, ampliar las brechas, agotar el planeta y comprometer el mundo de todas las promesas.

Es en este mundo de grandes convulsiones y grandes renuncias donde Puce se inspira. Aprovecha sus imágenes formateadas, sus clichés, sus códigos. Los provoca, los retuerce, los rompe, como para liberarse mejor de ellos. Más que comprometido, el trabajo de Puce es atractivo. Desafía sin precipitarse, denuncia sin condenar, perturba sin molestar. La obra de Puce es una invitación. Una invitación a contemplar y recuperar la sed de libertad que planea sobre la serie Rostros*, una invitación a la acción y a la humildad en la serie Animales*, una invitación a descompartimentar las mentes y los hombres, una invitación a salirse de los caminos trillados para alcanzar el camino de todas las posibilidades.

La obra de Puce es simplemente una invitación a reinventar el mundo.

Marco Grassi was born in Milan in 1966. He lives and works in Switzerland. He has been collaborating with the White Room Art System since 2010.

For ten years he has been working with a sense of responsibility in his works, always faithful to the figurative style of them, making sure that they do not become an object of fashion or satisfaction of a momentary trend. His language and subjects have always remained constant and intimately linked to his vision and taste of a complex sensibility, although his artistic choices – female figures, color combinations, use of lacquer, repetition with a minimum of variation of the subjects – make him often qualified, somewhat wrongly, as a pop artist.

It is true that Grassi’s preferred subjects are delicate and attractive, but they are also energetic and resolute. Female figures in bright colors, of course, but this is not enough to associate the artist, who may belong to this genre in form, but certainly not in the content of his art.

Marco Grassi renounces an element that was until now a decisive element and part of the architecture of his work. In his most recent works, there is a total absence of design: the sure and confident line with which he drew the external anatomical lines, fixing the stability of the whole figure, is less evident. The figure loses the factor of certainty and security, a basis that allowed him to integrate completely into the complex weave of colors, now represented in a more decisive background and connected effectively to the expression of faces and the intensity of their silence, with the complicity of those who observe them.

Marco Grassi nació en Milán en 1966. Vive y trabaja en Suiza. Colabora con el Sistema de Arte de la Sala Blanca desde 2010.

Desde hace diez años trabaja con sentido de la responsabilidad en sus obras, siempre fiel al estilo figurativo de las mismas, procurando que no se conviertan en un objeto de moda o en la satisfacción de una tendencia momentánea. Su lenguaje y sus temas han permanecido siempre constantes e íntimamente ligados a su visión y a su gusto por una sensibilidad compleja, aunque sus elecciones artísticas -figuras femeninas, combinaciones de colores, uso del lacado, repetición con un mínimo de variación de los temas- hacen que se le califique a menudo, de forma un tanto errónea, de artista pop.

Es cierto que los sujetos preferidos de Grassi son delicados y atractivos, pero también son enérgicos y decididos. Figuras femeninas en colores vivos, por supuesto, pero esto no es suficiente para asociar al artista, que puede pertenecer a este género en la forma, pero ciertamente no en el contenido de su arte.

Marco Grassi renuncia a un elemento que hasta ahora ha sido decisivo y forma parte de la arquitectura de su obra. En sus obras más recientes, hay una ausencia total de diseño: el trazo seguro y confiado con el que dibujaba las líneas anatómicas externas, fijando la estabilidad de toda la figura, es menos evidente. La figura pierde el factor de certeza y seguridad, base que le permitía integrarse completamente en la compleja trama de colores, ahora representada en un fondo más decisivo y efectivamente ligado a la expresión de los rostros y a la intensidad de su silencio, con la complicidad de quienes los observan.

Auguste is a 39 year old man from Bordeaux who divides his time between the Arcachon basin and the United States. He entered the art world more than 15 years ago during his studies. Auguste is the name chosen to sign his work, it is a reference to the Roman Emperor.

His first works were abstract, then he moved towards Pop Art, a style that corresponded to him the most.

His works are on the theme: GENERATION. Indeed, they want to remind each of us a part of his memories, through celebrities, icons, superheroes, iconic brands, subjective forms, bright colors … They mix styles and eras, in a universe of popular culture. His work is based on a mixed technique, namely, digital, collages, acrylic paint and automotive varnish to give a glossy side. The support is aluminum. 

Auguste exhibits all over the world: New York, Los Angeles, Las Vegas, Dallas, Miami, Singapore, Tokyo, London, Saint Barth, Paris, Kuwait … and many international personalities have his creations (L. Di Caprio, K. Kardashian, R. Nadal, A. Agassi, G Monfils, T. Parker, Jennifer Lawrence, M. Jordan, …).

Discover you too the works of Auguste! Love at first sight guaranteed…

Auguste es un bordelés de 39 años que reparte su tiempo entre la cuenca de Arcachon y Estados Unidos. Entró en el mundo del arte hace más de 15 años durante sus estudios. Auguste es el nombre elegido para firmar su obra, es una referencia al emperador romano.

Sus primeras obras fueron abstractas, y luego se acercó al Pop Art, el estilo que más le correspondía.

Sus obras giran en torno al tema: LA GENERACIÓN. De hecho, quieren recordar a cada uno de nosotros una parte de nuestros recuerdos, a través de celebridades, iconos, superhéroes, marcas emblemáticas, formas subjetivas, colores vivos… Mezclan estilos y épocas, en un universo de cultura popular. Su obra se basa en una técnica mixta, es decir, digital, collage, pintura acrílica y barniz de automoción para dar un aspecto brillante y luminoso. El soporte es de aluminio. 

Auguste expone en todo el mundo: Nueva York, Los Ángeles, Las Vegas, Dallas, Miami, Singapur, Tokio, Londres, Saint Barth, París, Kuwait… y muchas personalidades internacionales poseen sus creaciones (L. Di Caprio, K. Kardashian, R. Nadal, A. Agassi, G Monfils,T. Parker, Jennifer Lawrence, M. Jordan, …).

Descubra también las obras de Auguste. Amor a primera vista garantizado…

Born in Haifa, Israel, Idan Zareski lives and works between Costa Rica, France and Miami. He has had an unconventional but surprising background. At a young age, he was immersed in multiple cultures and led a cosmopolitan life between Africa, Europe, the United States and Latin America. Idan is fluent in several languages, including French, English and Spanish. At the age of 38, he decided to quit everything to follow his passion, sculpture.

Shortly after launching his Bigfoot Family series, Idan quickly gained international recognition for his monumental sculptures.

Born out of his passion to foster cultural awareness and tolerance around the world, the Bigfoot Family has gained worldwide recognition along its journey and a universal message of unity.

Idan has an innate talent for portraying emotions, his sculptures are touching and graceful, and he manages to capture moments in such a way that we naturally feel connected to his work. It is not uncommon to see children and adults climbing all over his pieces…

Aiiroh was born in Narbonne, France in 1987 and graduated with an art & design degree in France. At 13 years of age, he started working as a street artist, working on wall graffiti in various cities throughout France and Europe.
In some of his works, he integrates brands to remind us of the dependency that human beings have for consumer products. The graphic strength of these brands and the subliminal effect it has on our collective unconscious and on our aesthetic codes.
He declares himself simply as a follower of “Pop artists” mixed with street influences. His early works was inspired by French/Belgian comic icons such as “Lucky Luke” “Tintin” “Astérix” etc… For this matter, he created a series that sold out in 2 weeks called “Mixed n Pop”. The media was very different, without collage, just painting and the use within the collage of real Swarovski rocks.
In line with its Pop-art predecessors, Aiiroh uses mixed and current techniques such as gluing Swarovski Crystals, acrylic paint, stencil, freezing
For the past three years, he is focusing on re-interpretation of iconic figures and pop symbols through posters he finds in the streets of Paris, Marseille, Lyon, Toulouse, Narbonne, next to his old graffiti “spots”.
He is a well-established artist in France, Switzerland, and USA.